Para quienes aun no se hayan enterado, el blog sigue trabajando en la siguiente direccion:
http://www.sonidosprimitivos.com/
Llevamos ya 5 entradas las cuales son:
Incredible Hog Vol.1 (1971):
http://sonidosprimitivos.com/blog/incredible-hog-vol-1-1973-uk-heavy-rock-blues-rock-raw-shit/
Nazz - Nazz (1968):
http://sonidosprimitivos.com/blog/nazz-nazz-1968-usa-heavy-rock-con-power-ballads/
Can - Tago Mago (1971):
http://sonidosprimitivos.com/articulo-del-mes/can-tago-mago-1971-germanykosmische-musikearly-electronicjam-band/
Alamo - Alamo (1971):
http://sonidosprimitivos.com/blog/alamo-alamo-1971-u-s-heavy-rocksouthern-rockjam-band-con-organo-hammond/
T2 - It'll All Work Out in Boomland (1970)
http://sonidosprimitivos.com/blog/t2-itll-all-work-out-in-boomland-1970-uk-progressive-rock-heavy-rock-jazz-rock-power-trio/
domingo, 8 de octubre de 2017
viernes, 25 de agosto de 2017
Sonidos Primitivos.com!
Hermanos, hoy viernes 25 de Agosto iniciamos una nueva etapa, así es... nos mudamos a wordpress y ya tenemos la primer publicación, ustedes pueden seguir el blog en esta nueva dirección. Esta antigua dirección ya no será actualizada más por lo que les pido por favor seguir en facebook y tener como su página principal a:
http://sonidosprimitivos.com/
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miércoles, 15 de marzo de 2017
Steamhammer - Reflection (1969) U.K Blues Rock/Progressive
Hermanos, que bien se siente estar haciendo lo que a uno le gusta.
Escribir sobre heavy rock, escuchar su música favorita, componer alguna
idea para lo nuevo que vendrá de mis proyectos. Sin embargo el dinero se
termina rápido y estoy realmente jodido. Espero no sea el caso de
ustedes pero mientras yo descubrí apenas esta joya de 1969 que me ayuda a sobrellevar el peso del desempleo jaja... ellos son
los Steamhammer una banda con un sonido poderoso el cual me recuerda a
lo que ya nadie hace, jaja. Ellos tocan un blues rock atmosférico, como
de atardecer, un blues que progresa y no se estanca ni patalea sobre un
solo grado. Escuchen detenidamente lo que hicieron estos grandes
músicos! Mkrieg.
Fanáticos del blues.
He leído en diversas partes que en los 60's el blues era la crema de la crema, y por supuesto ellos son los hijos de músicos como B.B. King, Freddie King, Muddy Waters, Howlin Wolf, T-Bone Walker entre miles más, pues me atrevo a recomendarles que vayan directo a los artistas mencionados arriba sólo si ustedes quieren escuchar en su estado más puro el blues rock que Steamhammer jugó, sin embargo si ustedes quieren escuchar ese sonido blues rock digerido y enriquecido con atmósferas que sólo los ingleses saben les invito a deleitar sus sucios oídos hartos de radio comercial. Olvídense de spotify, itunes o cualquier otra pendejada, descarguen este discazo y recuestense a escuchar!...
"Water Part One", es un track que tranquiliza bastante, son las olas del mar que golpean las costas de Sussex en Inglaterra, o de la corriente de un río enmedio del frío bosque de Sussex que desemboca en el mar, se le podría llamar el "delta" de Inglaterra. Escuchen las guitarras gemelas! de Martin Pugh y Martin Quittenton que nos dan paso al track "Juniors Wailing".
"You'll never know" de B.B. King, sirvió de excelente entrenamiento intuitivo a este quinteto. Yo en opinión personal me quedo con las dos versiones. La invasión del blues por Inglaterra dejó estragos sin remedio pero de esas cenizas; bandas como Steamhammer existen. Me imagino en aquella época el clima frío y lluvioso junto con un cielo gris y las calles mojadas de inglaterra. Entro y se me antoja un maldito café y que me encuentro??? Pues a los Steamhammer tocando You'll never know!, y joder la gente está sentada y sólamente mueven sus cabellos semi largos por que es lo unico que pueden hacer, los huesos congelados, sin energías. Lo único que quieren es escuchar una buena banda tocando el blues!, pero ya estamos en 1969 mis hemanos y el blues rock estaba por pasar a ligas mayores!
Entre otros temas de blues rock se encuentra: la lenta pero elegante "Twenty Four Hours" del desconocido para mi Eddie Boyd (no me juzguen carajo) y "When all your friends are gone" blues rock magistral mis hermanos!! pero les digo, si quieren crudeza escuchen a los originales, pero por el momento quedense con Steamhammer y pesamos al sermón del día:
El arte de escuchar música.
Malditasea, me meteré en otro tema pero todo sea en pro de que escuchen la música como se debe. Quien de ustedes mete sus discos en su celular y los "escucha" ya sea en la calle, en el trabajo, en el transporte público? via streaming, via lo que sea... mis hermanos, solamente se estan jodiendo las orejas y le faltan al respeto a la música.
Una verdadera apreciación musical debe ser en un cuarto y con bocinas decentes las cuales les permitan escuchar cada detalle de lo que los músicos compusieron, esa es la manera en que en verdad la música se les pegará por ósmosis y mientras tratan de componer algo ese halo divino vendrá a sus cerebros y lo plasmarán en una exquisita línea de guitarra-bajo-batería-teclados-voz inspirados en los grandes STEAMHAMMER o cualquier otro escultor del sonido publicado aquí en Sonidos Primitivos. Joder, es la manera en que yo trabajo y creo que jamás podré dejar de estudiar de esa manera, bien lo recomendó el gran Duane Allman!...
Escuchad a "Lost You Too", esos acordes en círculos que progresan hacia el puente "I'm a looser, what I do?", la voz hueca de Kieran White y el sólo de armónica. El motivo de la canción patea cojones, son solo cuatro notas que suben y bajan mientras el otro Martin lo redobla con la octava más aguda haciendo la misma figura. No hay más!, no hay reglas de notas cromáticas ni nadie se enoja por que te saliste de la tonalidad, solo es una nota de paso y es válida!...
El pedal wah muy sutil que maneja el primer Martin Pugh, el trabajo en el bajo de Steve Davy junto con la batería excelentemente grabada de Michael Rushton, pareciera como si hubieran metido a los Steamhammer a una sala gigantesca a máximo volumen y el eco de la sala fue capturado para siempre, pero maldición que atmósfera excelente!.
"Even the Clock" joder es asombrosa, viajando por una carretera de noche en un cobra de 1968 y una hermosa chica en el asiento contiguo. La escena de Peter Fonda mandando al carajo su reloj también viene a mi mente. Sin preocuparse por trabajo, dinero, nada!, solo soy yo y esa hermosa chica con ojos de luna, "Cuando tu eres mía, la vida es como el vino en el tiempo correcto" y luego el solo de flauta transversa cortesía de Harold McNair, haciendo honor a lo que Jethro Tull ya estaba haciendo!, este track y "Down the Highway" provienen de la misma sesión. Ocho minutos de magia y una extensa improvisación al final, claro, con su debida estructura bien tocada hacen un deleite de blues rock con tintes de jazz y la flauta haciendo de las suyas.
Los solos de Martin Pugh son sobrios, no chillones, no sobresalientes, no escandalosos ni exhibicionistas. Están en el lugar preciso dejando también lucir hasta al bajista! Existen algunas imágenes donde deja lucir una hermosa Gibson Les Paul en sus manos, y de fondo el sonido de podersosos HIWATTS, aunque existe evidencia de 1969 que Steamhammer tocaron con stacks de MARSHALL, el sonido es asombroso aún así se trate de una grabación. Limpio en su totalidad mis hermanos! a la par también del otro Martin: Martin Quittenton!.
Cabe señalar que el sonido de Martin lo es todo para definir a Steamhammer, por ejemplo puedo deducir que Martin llegó a estudiar por oído a los bluesman de la época así como también a los británicos famosos por aquellos años: Page, Clapton, Beck, Hendrix,... jaja
Escuchenlo en el youtube, o bajenlo y escuchenlo con atención (es mi recomendación). Esta joya que yo apenas encontré no tiene precio, si logran encontrar el LP se habrán hecho un un tesoro. Si se encuentran en el proceso de aprender la guitarra, las sencillas fórmulas que nos brindan estos steamhammer seguramente les serán de utilidad, para baterístas guitarras y bajos, hasta para ensambles de bandas completas. Amen!
DESCARGA AQUI.
"Blues rock digerido y enriquecido con atmósferas que sólo los ingleses saben..."
Fanáticos del blues.
He leído en diversas partes que en los 60's el blues era la crema de la crema, y por supuesto ellos son los hijos de músicos como B.B. King, Freddie King, Muddy Waters, Howlin Wolf, T-Bone Walker entre miles más, pues me atrevo a recomendarles que vayan directo a los artistas mencionados arriba sólo si ustedes quieren escuchar en su estado más puro el blues rock que Steamhammer jugó, sin embargo si ustedes quieren escuchar ese sonido blues rock digerido y enriquecido con atmósferas que sólo los ingleses saben les invito a deleitar sus sucios oídos hartos de radio comercial. Olvídense de spotify, itunes o cualquier otra pendejada, descarguen este discazo y recuestense a escuchar!...
"Water Part One", es un track que tranquiliza bastante, son las olas del mar que golpean las costas de Sussex en Inglaterra, o de la corriente de un río enmedio del frío bosque de Sussex que desemboca en el mar, se le podría llamar el "delta" de Inglaterra. Escuchen las guitarras gemelas! de Martin Pugh y Martin Quittenton que nos dan paso al track "Juniors Wailing".
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| Steamhammer en vivo en 1969 |
"You'll never know" de B.B. King, sirvió de excelente entrenamiento intuitivo a este quinteto. Yo en opinión personal me quedo con las dos versiones. La invasión del blues por Inglaterra dejó estragos sin remedio pero de esas cenizas; bandas como Steamhammer existen. Me imagino en aquella época el clima frío y lluvioso junto con un cielo gris y las calles mojadas de inglaterra. Entro y se me antoja un maldito café y que me encuentro??? Pues a los Steamhammer tocando You'll never know!, y joder la gente está sentada y sólamente mueven sus cabellos semi largos por que es lo unico que pueden hacer, los huesos congelados, sin energías. Lo único que quieren es escuchar una buena banda tocando el blues!, pero ya estamos en 1969 mis hemanos y el blues rock estaba por pasar a ligas mayores!
Entre otros temas de blues rock se encuentra: la lenta pero elegante "Twenty Four Hours" del desconocido para mi Eddie Boyd (no me juzguen carajo) y "When all your friends are gone" blues rock magistral mis hermanos!! pero les digo, si quieren crudeza escuchen a los originales, pero por el momento quedense con Steamhammer y pesamos al sermón del día:
El arte de escuchar música.
Malditasea, me meteré en otro tema pero todo sea en pro de que escuchen la música como se debe. Quien de ustedes mete sus discos en su celular y los "escucha" ya sea en la calle, en el trabajo, en el transporte público? via streaming, via lo que sea... mis hermanos, solamente se estan jodiendo las orejas y le faltan al respeto a la música.
Una verdadera apreciación musical debe ser en un cuarto y con bocinas decentes las cuales les permitan escuchar cada detalle de lo que los músicos compusieron, esa es la manera en que en verdad la música se les pegará por ósmosis y mientras tratan de componer algo ese halo divino vendrá a sus cerebros y lo plasmarán en una exquisita línea de guitarra-bajo-batería-teclados-voz inspirados en los grandes STEAMHAMMER o cualquier otro escultor del sonido publicado aquí en Sonidos Primitivos. Joder, es la manera en que yo trabajo y creo que jamás podré dejar de estudiar de esa manera, bien lo recomendó el gran Duane Allman!...
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| Steamhammer y sus stacks Marshall |
"El motivo de la canción patea cojones, son solo cuatro notas que suben y bajan"
Escuchad a "Lost You Too", esos acordes en círculos que progresan hacia el puente "I'm a looser, what I do?", la voz hueca de Kieran White y el sólo de armónica. El motivo de la canción patea cojones, son solo cuatro notas que suben y bajan mientras el otro Martin lo redobla con la octava más aguda haciendo la misma figura. No hay más!, no hay reglas de notas cromáticas ni nadie se enoja por que te saliste de la tonalidad, solo es una nota de paso y es válida!...
El pedal wah muy sutil que maneja el primer Martin Pugh, el trabajo en el bajo de Steve Davy junto con la batería excelentemente grabada de Michael Rushton, pareciera como si hubieran metido a los Steamhammer a una sala gigantesca a máximo volumen y el eco de la sala fue capturado para siempre, pero maldición que atmósfera excelente!.
"Even the Clock" joder es asombrosa, viajando por una carretera de noche en un cobra de 1968 y una hermosa chica en el asiento contiguo. La escena de Peter Fonda mandando al carajo su reloj también viene a mi mente. Sin preocuparse por trabajo, dinero, nada!, solo soy yo y esa hermosa chica con ojos de luna, "Cuando tu eres mía, la vida es como el vino en el tiempo correcto" y luego el solo de flauta transversa cortesía de Harold McNair, haciendo honor a lo que Jethro Tull ya estaba haciendo!, este track y "Down the Highway" provienen de la misma sesión. Ocho minutos de magia y una extensa improvisación al final, claro, con su debida estructura bien tocada hacen un deleite de blues rock con tintes de jazz y la flauta haciendo de las suyas.
Los solos de Martin Pugh son sobrios, no chillones, no sobresalientes, no escandalosos ni exhibicionistas. Están en el lugar preciso dejando también lucir hasta al bajista! Existen algunas imágenes donde deja lucir una hermosa Gibson Les Paul en sus manos, y de fondo el sonido de podersosos HIWATTS, aunque existe evidencia de 1969 que Steamhammer tocaron con stacks de MARSHALL, el sonido es asombroso aún así se trate de una grabación. Limpio en su totalidad mis hermanos! a la par también del otro Martin: Martin Quittenton!.Cabe señalar que el sonido de Martin lo es todo para definir a Steamhammer, por ejemplo puedo deducir que Martin llegó a estudiar por oído a los bluesman de la época así como también a los británicos famosos por aquellos años: Page, Clapton, Beck, Hendrix,... jaja
Escuchenlo en el youtube, o bajenlo y escuchenlo con atención (es mi recomendación). Esta joya que yo apenas encontré no tiene precio, si logran encontrar el LP se habrán hecho un un tesoro. Si se encuentran en el proceso de aprender la guitarra, las sencillas fórmulas que nos brindan estos steamhammer seguramente les serán de utilidad, para baterístas guitarras y bajos, hasta para ensambles de bandas completas. Amen!
DESCARGA AQUI.
domingo, 5 de febrero de 2017
The Allman Brothers Band - Live at Fillmore East 1971
Mis hermanos, tras la muerte repentina de Butch Trucks el fin de semana pasado, me la pasé escuchando a los Allman Brothers, y es una banda de cajón dentro de mis gustos musicales y la banda que más influencia tiene en mi sonido a la guitarra. No hay día en que no me acuerde de los Allman,... de la gran melodía a guitarras gemelas de Elizabeth Reed mientras voy de camino al maldito trabajo, o recordar a alguna chica que se encuentra lejos de mi y preguntarme que demonios estará haciendo para automáticamente cantar "god lord, I feel like Im dying" de Whippin' Post, o amanecer los domingos con Dreams e imaginar inmediatamente que escalo una montaña nevada, o escuchar Hot'Lanta para recordar los días de embriaguez y excesos que ahora son esporádicos pero que en algun momento me hicieron repetir una tras otra vez a los Allman a todo maldito volumen y brindar por tan maravillosos músicos, los que aun quedan y los que ya se fueron. Si requieren una copia mp3 para apreciar la grandeza, dejen su email y con gusto se los envío. Mkrieg.
No recuerdo cuál fué el momento que escuché a esta banda, al parecer según mi memoria fué In Memory of Elizabeth Reed la primera que escuché desde el disco descargado directamente en el blog del sapo pasuche. Recuerdo que me encontraba en la prepa de 17 años en búsqueda de verdadero rock sureño para callarle el hocico a un metalero engreído "conocedor" del rock sureño más "crudo y duro" endiosador de black label society... y si, encontré a la banda correcta que le logró callar el hocico: los grandes Allman Brothers Band. Jaja las clásicas peleas de pubertos...
No le hecho la culpa a los Label Society, pero desde que conocí a los Allman Brothers jamás me he tomado la molestia de escuchar a los Label, desde aquí me adentré al heavy rock de los 70's y conocí de todo con los Allman: Blues, Heavy Rock, guitarras gemelas, hermandad en una banda, anécdotas increíbles, de donde viene el blues de los blancos, amplificadores y guitarras, solear al estilo duane y dickie, desarrollar un estilo propio, que demonios es el hammond, una banda con dos baterías, improvisación y orejeada, humildad musical, el jazz de duane allman, la lucha de una banda pionera contra los medios comerciales, la muerte de dos verdaderos hermanos y el coleccionar los viniles de esta banda.
El Blues, forjador de estilos.
"Statesboro Blues". Original de Blind Willie McTell, un blues desde lo más profundo del Delta hasta la versión de Taj Mahal (el disco de 1968 que inspiró a Duane a tocar la guitarra de forma endemoniada) y que inspiró también a los Allman a hacer la propia. Los solos de Duane con el slide han formado una marca inigualable en el sonido de la banda, existieron muchos músicos en los 70's pero ningun otro se compara a la pasión inyectada del trabajo en equipo, duane respeta los solos de betts, y visceversa, y también hay espacio para que la estrella del grupo haga su papel: Gregg Allman.
¿Por que el blues es la raíz de la estructura del heavy rock? Segun mis conocimientos la estructura en que estan dispuestas las progresiones de los acordes hacen que se pueda hacer una canción con hasta solamente el primer grado del blues a lo que yo llamaría música en su estado puro y orgánico. El trabajo de guitarras gemelas para pasar de una sección a otra donde Betts se hace notar con su solo y luego Duane es algo que ya no se escucha actualmente, tal vez en la escena del heavy metal pero ahí existe mucha competencia entre los miembros mismos, por ejemplo: que quien hace el solo más técnico y rápido posible... mucha pose!. Eso causa mucha fricción dentro del proyecto y aqui no existe eso, los puestos estan bien definidos.
Stormy Monday me introdujo de cierta manera al blues de los 60's, T-bone Walker ya había hecho la composición y qué más le podían agregar los Allman? si se escucha la original suena a jazz, suena a blues rock tocada en 1960! Pero aquí el hammond hace un trabajo espectacular junto con el invitado especial a la armónica: Thom Doucette. Si escuchan cuidadosamente podemos apreciar como los acordes elevan la intensidad junto con lo que canta Gregg y lo aterriza de una manera melancólica... ¿Por que es importante estudiar algo de teoría musical en especial la armonía moderna? Para hacer composiciones de este calibre mis hermanos y es la parte del trabajo pesado que se llevó Dickie Betts y Gregg allman.
Sinceramente creo yo que para poder improvisar como Duane lo hizo se necesita de una base armónica bastante sólida para que ellos (el resto de músicos) hagan el trabajo del background musical mientras el solista improvisa a gusto y sin fijaciones por cuidar del trabajo que hacen sus compañeros. Escuchen Stormy monday: si no hubiese la progresion de acordes la composición no sería nada, no habría stormy monday!, demos gracias al señor T-Bone Walker en paz descanse.
Allman Brothers Band Sound
Hotlanta, es una fantástica composición en honor a las noches cálidas de verano y la vida nocturna en Atlanta, imagínen lo que estos tipos pudieron haber hecho esa noche?, whisky y cervezas por doquier, hermosas chicas bailando en nuestro regazo, privados con aquellas chicas, mucha mariguana y anfetas, hippies mugrientos vagando por doquier, juniors adinerados por las avenidas llenas de luces y placeres. Me imagino a los Allman en sus motocicletas y una Van recorriendo las calles hablandoles a cualquier chica en la calle e invitandolas a subir en esas poderosas Harley.
Las guitarras gemelas suenan fantástico!, despues se divide Duane al intervalo de cuarta o a la octava mas aguda que dickie y la distorsión de esos Marshall hace su trabajo para después pasar al Hammond de Gregg. ¿Que letras pudieron haber agregado aquí? en mi opinion personal considero afortunada la desición de hacer esta pieza puramente instrumental haciendola una de mis favoritas de estos hermanos Allman. Joder!... esos solos puntiagudos de Duane con su Les Paul y sus Marshalls... Las baterías gemelas de Butch y Jaimoe le dan un sabor africano a las composiciones. Jaimoe manteniendo el ritmo y el swing de la maquinaria y Butch agregandole el volumen necesario y la intensidad... El crescendo final no tiene madre hermanos! Si lo escuchan a todo volumen escucharán el esfuerzo que han de ver realizado ensayo tras ensayo para perfeccionar a tales magnitudes el final de Hotlanta...
In Memory of Elizabeth Reed me pone en extasis musical total, mi visión es de una carretera a media noche en mi Harley tratando de olvidar las malas experiencias que sucedieron a la historia de nuestros antepasados para que vivamos la vida que ahora tenemos, también recuerda a esa hermosa mujer que una vez amamos y ahora todo debe seguir, o al desastre que hizo uno en estado de ebriedad y ahora solo quieres que pegue el viento en tu rostro a 180kmph, y sigue justo cuando la composición cambia de ritmo con esa escala fantástica por parte de Duane-Betts y da inicio al solo de Betts, joder que solo!, no puedo decir quien es mejor que quien! sería blasfemar en contra de mi banda favorita.
Dickie Betts es el autor de esta maravilla y la muestra de humildad es darle el solo principal a su hermano Duane, vean que grado de humanidad puede llegar uno a tener, a pesar de ser un cara dura y un desalmado con las demás personas... pero cuando se trata de un hermano (y no hablo de hermano de familia) hablo de hermanos de sangre (termino que se da a la hermandad entre soldados en la guerra), amistad y de banda, ese sentimiento solo uno lo puede encontrar mientras se hace música, o mientras se viven situaciones catastroficas como una guerra. Es falso quien me diga que también se encuentra en el trabajo de la vida moderna (una oficina o empresa) o en otras cosas... es una de las virtudes y regalos que solo la música nos puede brindar.
El solo de Gregg le agrega eso que complementa a Elizabeth!, mientras la incansable base rítmica de Oakley-Jaimoe-Butch golpea sin ningun miedo, todo esta donde debe de estar, en su momento a pesar de que se trata de un jam intenso y bien estudiado. La clave de esta composicion son los acordes y estructura y el estilo Jazz-Samba (por parte de Jaimoe) que se manejó aquí hacen una pieza original y auténtica, yo diría la fusión del rock y del jazz (del jazz modal), fantásticamente manejada.
Whippin Post, otro jam cuidadosamente estudiado y compuesto, el bajo áspero y seco de Berry Oakley es lo más importante aquí y podemos escuchar como se desenvuelve con escalas que sólo el sabía como demonios hacía y regresa sin ningun problema a la base principal, escuchen nadamas!!! Hermanos, que mas puedo decir de whippin' post? solamente me sentaré a escuchar todas las técnicas utilizadas por Duane y Betts, y disfrutar el desarrollo de la música.
Tres hermanos que se van.
En palabras de Duane, el nunca estudió teoría musical, pero si se puso a practicar de oído sus discos favoritos y a copiar lo mejor de cada bluesman que encontrara, por ejemplo el slide de Elmore James, los solos de Eric Clapton, así como tambien cuenta la leyenda que Duane se sentaba a escuchar por horas el Kind of Blue de Miles Davis, y de ahi copió el estilo y lo adaptó a la manera de hacer sus solos de guitarra, también escuchó a John Coltrane el cual disco favorito fué el A love supreme, imaginense, tremendo guitarrista.
Después le siguió la muerte de Berry Oakley, un año después en situaciones similares, su sonido era poderoso y era un bajista el cual uno no debía decir que hacer, el seguía la base rítmica y agregaba su fantástico bajo tocado con los dedos (no con plumilla) y puso su voz en una canción para los Allman: Hoochie Coochie Man.
Actualmente hace unas semanas murió Butch Trucks, que despues de la muerte de Oakley y Duane, tomó el mando de la banda junto con Betts y Gregg y aun más grabó demasiados discos en los años restantes... uno de mis preferidos es Enlightened Rogues de 1979. No se lo que haya pasado a Butch, tal vez problemas financieros, depresión, simplemente se cansó de luchar pero si es posible que leyera estas lineas quiero decirle que su legado será siempre recordado en cada canción que tocó y compuso, aparte su legado más valioso es su sobrino: Dereck Trucks, ahora Butch se encuentra viajando en motocicleta a toda velocidad junto con Duane y Berry, en sus 25 años cuando todo era un sueño por cumplir, Buen trabajo Butch Trucks!!
Con ello una vez más esperemos que los miembros restantes continuen haciendo música, es todo lo que podemos decir mientras sigan en este mundo, y ahora que se van todos no hay por que entristecerse, su legado nos ha entrenado para ahora nosotros hermanos tomar el mando que ese vacío ha dejado y que ronda ahora el mundo con músicas plásticas, es nuestro turno hermanos! amen.
DESCARGA AQUI
No recuerdo cuál fué el momento que escuché a esta banda, al parecer según mi memoria fué In Memory of Elizabeth Reed la primera que escuché desde el disco descargado directamente en el blog del sapo pasuche. Recuerdo que me encontraba en la prepa de 17 años en búsqueda de verdadero rock sureño para callarle el hocico a un metalero engreído "conocedor" del rock sureño más "crudo y duro" endiosador de black label society... y si, encontré a la banda correcta que le logró callar el hocico: los grandes Allman Brothers Band. Jaja las clásicas peleas de pubertos...
No le hecho la culpa a los Label Society, pero desde que conocí a los Allman Brothers jamás me he tomado la molestia de escuchar a los Label, desde aquí me adentré al heavy rock de los 70's y conocí de todo con los Allman: Blues, Heavy Rock, guitarras gemelas, hermandad en una banda, anécdotas increíbles, de donde viene el blues de los blancos, amplificadores y guitarras, solear al estilo duane y dickie, desarrollar un estilo propio, que demonios es el hammond, una banda con dos baterías, improvisación y orejeada, humildad musical, el jazz de duane allman, la lucha de una banda pionera contra los medios comerciales, la muerte de dos verdaderos hermanos y el coleccionar los viniles de esta banda.
El Blues, forjador de estilos.
"Statesboro Blues". Original de Blind Willie McTell, un blues desde lo más profundo del Delta hasta la versión de Taj Mahal (el disco de 1968 que inspiró a Duane a tocar la guitarra de forma endemoniada) y que inspiró también a los Allman a hacer la propia. Los solos de Duane con el slide han formado una marca inigualable en el sonido de la banda, existieron muchos músicos en los 70's pero ningun otro se compara a la pasión inyectada del trabajo en equipo, duane respeta los solos de betts, y visceversa, y también hay espacio para que la estrella del grupo haga su papel: Gregg Allman.
"La estructura en que estan dispuestas las progresiones de los acordes hacen que se pueda hacer una canción con hasta solamente el primer grado del blues"
Stormy Monday me introdujo de cierta manera al blues de los 60's, T-bone Walker ya había hecho la composición y qué más le podían agregar los Allman? si se escucha la original suena a jazz, suena a blues rock tocada en 1960! Pero aquí el hammond hace un trabajo espectacular junto con el invitado especial a la armónica: Thom Doucette. Si escuchan cuidadosamente podemos apreciar como los acordes elevan la intensidad junto con lo que canta Gregg y lo aterriza de una manera melancólica... ¿Por que es importante estudiar algo de teoría musical en especial la armonía moderna? Para hacer composiciones de este calibre mis hermanos y es la parte del trabajo pesado que se llevó Dickie Betts y Gregg allman.Sinceramente creo yo que para poder improvisar como Duane lo hizo se necesita de una base armónica bastante sólida para que ellos (el resto de músicos) hagan el trabajo del background musical mientras el solista improvisa a gusto y sin fijaciones por cuidar del trabajo que hacen sus compañeros. Escuchen Stormy monday: si no hubiese la progresion de acordes la composición no sería nada, no habría stormy monday!, demos gracias al señor T-Bone Walker en paz descanse.
Allman Brothers Band Sound
Hotlanta, es una fantástica composición en honor a las noches cálidas de verano y la vida nocturna en Atlanta, imagínen lo que estos tipos pudieron haber hecho esa noche?, whisky y cervezas por doquier, hermosas chicas bailando en nuestro regazo, privados con aquellas chicas, mucha mariguana y anfetas, hippies mugrientos vagando por doquier, juniors adinerados por las avenidas llenas de luces y placeres. Me imagino a los Allman en sus motocicletas y una Van recorriendo las calles hablandoles a cualquier chica en la calle e invitandolas a subir en esas poderosas Harley.
Las guitarras gemelas suenan fantástico!, despues se divide Duane al intervalo de cuarta o a la octava mas aguda que dickie y la distorsión de esos Marshall hace su trabajo para después pasar al Hammond de Gregg. ¿Que letras pudieron haber agregado aquí? en mi opinion personal considero afortunada la desición de hacer esta pieza puramente instrumental haciendola una de mis favoritas de estos hermanos Allman. Joder!... esos solos puntiagudos de Duane con su Les Paul y sus Marshalls... Las baterías gemelas de Butch y Jaimoe le dan un sabor africano a las composiciones. Jaimoe manteniendo el ritmo y el swing de la maquinaria y Butch agregandole el volumen necesario y la intensidad... El crescendo final no tiene madre hermanos! Si lo escuchan a todo volumen escucharán el esfuerzo que han de ver realizado ensayo tras ensayo para perfeccionar a tales magnitudes el final de Hotlanta...
"Dickie Betts es el autor de esta maravilla y la muestra de humildad es darle el solo principal a su hermano Duane"
In Memory of Elizabeth Reed me pone en extasis musical total, mi visión es de una carretera a media noche en mi Harley tratando de olvidar las malas experiencias que sucedieron a la historia de nuestros antepasados para que vivamos la vida que ahora tenemos, también recuerda a esa hermosa mujer que una vez amamos y ahora todo debe seguir, o al desastre que hizo uno en estado de ebriedad y ahora solo quieres que pegue el viento en tu rostro a 180kmph, y sigue justo cuando la composición cambia de ritmo con esa escala fantástica por parte de Duane-Betts y da inicio al solo de Betts, joder que solo!, no puedo decir quien es mejor que quien! sería blasfemar en contra de mi banda favorita.
Dickie Betts es el autor de esta maravilla y la muestra de humildad es darle el solo principal a su hermano Duane, vean que grado de humanidad puede llegar uno a tener, a pesar de ser un cara dura y un desalmado con las demás personas... pero cuando se trata de un hermano (y no hablo de hermano de familia) hablo de hermanos de sangre (termino que se da a la hermandad entre soldados en la guerra), amistad y de banda, ese sentimiento solo uno lo puede encontrar mientras se hace música, o mientras se viven situaciones catastroficas como una guerra. Es falso quien me diga que también se encuentra en el trabajo de la vida moderna (una oficina o empresa) o en otras cosas... es una de las virtudes y regalos que solo la música nos puede brindar.
El solo de Gregg le agrega eso que complementa a Elizabeth!, mientras la incansable base rítmica de Oakley-Jaimoe-Butch golpea sin ningun miedo, todo esta donde debe de estar, en su momento a pesar de que se trata de un jam intenso y bien estudiado. La clave de esta composicion son los acordes y estructura y el estilo Jazz-Samba (por parte de Jaimoe) que se manejó aquí hacen una pieza original y auténtica, yo diría la fusión del rock y del jazz (del jazz modal), fantásticamente manejada.
Tres hermanos que se van.
"Después le siguió la muerte de Berry Oakley, su sonido era poderoso y era un bajista el cual uno no debía decir que hacer"
En palabras de Duane, el nunca estudió teoría musical, pero si se puso a practicar de oído sus discos favoritos y a copiar lo mejor de cada bluesman que encontrara, por ejemplo el slide de Elmore James, los solos de Eric Clapton, así como tambien cuenta la leyenda que Duane se sentaba a escuchar por horas el Kind of Blue de Miles Davis, y de ahi copió el estilo y lo adaptó a la manera de hacer sus solos de guitarra, también escuchó a John Coltrane el cual disco favorito fué el A love supreme, imaginense, tremendo guitarrista.
Después le siguió la muerte de Berry Oakley, un año después en situaciones similares, su sonido era poderoso y era un bajista el cual uno no debía decir que hacer, el seguía la base rítmica y agregaba su fantástico bajo tocado con los dedos (no con plumilla) y puso su voz en una canción para los Allman: Hoochie Coochie Man.
Actualmente hace unas semanas murió Butch Trucks, que despues de la muerte de Oakley y Duane, tomó el mando de la banda junto con Betts y Gregg y aun más grabó demasiados discos en los años restantes... uno de mis preferidos es Enlightened Rogues de 1979. No se lo que haya pasado a Butch, tal vez problemas financieros, depresión, simplemente se cansó de luchar pero si es posible que leyera estas lineas quiero decirle que su legado será siempre recordado en cada canción que tocó y compuso, aparte su legado más valioso es su sobrino: Dereck Trucks, ahora Butch se encuentra viajando en motocicleta a toda velocidad junto con Duane y Berry, en sus 25 años cuando todo era un sueño por cumplir, Buen trabajo Butch Trucks!!
Con ello una vez más esperemos que los miembros restantes continuen haciendo música, es todo lo que podemos decir mientras sigan en este mundo, y ahora que se van todos no hay por que entristecerse, su legado nos ha entrenado para ahora nosotros hermanos tomar el mando que ese vacío ha dejado y que ronda ahora el mundo con músicas plásticas, es nuestro turno hermanos! amen.
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domingo, 22 de enero de 2017
Breaking Dawn of the Blue Nebula - ΔS (Space Prog Rock) España 2016), Contemporary Heavy Rock Series
No recuerdo donde leí que bandcamp es la nueva "meca" de la música underground, música que cualquiera puede hacer y subir al bandcamp desde cualquier parte del mundo. En realidad solo tenemos una idea vaga de por ejemplo... donde está España, me refiero a que no tenemos ni idea de a cuantos miles de kilometros y probablemente muy pocos han ido a ese país hermano y ante esto muchas bandas nos han llegado de España que para ser sincero traen excelente calidad, un ejemplo son: Breaking Dawn of the Blue Nebula que me contactaron a través de reseñas de sus compatriotas que he publicado aqui. Dejemonos llevar por su rock espacial progresivo, que no suena nada a metal, ni a hawkwind, ni a no se que banda se te ocurra del género. Se requiere una mente abierta para leer esto ya que no hablaremos de Heavy rock, hablaremos de música y lo que se me vaya ocurriendo al momento!... Mkrieg.
Escuchar o comprar aqui: https://bdotbn.bandcamp.com/releases
Trabajo en equipo.
Yo sé cuanto trabajo cuesta el encontrar a los músicos correctos, el costearse los ensayos, las desveladas semanales de trabajo/música, las pocas horas de convivencia familiar, y para ir al grano... ellos han tenido la fortuna de encontrarse en algun punto de sus vidas para dar vida a obras que para nada pretenden ser famosas, simplemente lo hacen por que es lo que siempre han querido hacer, bien si ganan y son famosos, bien si solo un grupo selecto de gente los escucha. Los integrantes son: Txus Cebollada a la mandolina, Marino Amorrortu al bajo, Álvaro Melenas a la guitarra, Cristian De Castro a la guitarra y Charlie Erebos a la batería.
Después de escuchar su material en una sola sentada puedo captar como existe correspondencia entre los cinco integrantes. Así es como debe sonar una banda mientras crean su propio material. Hago la comparativa de esto como el correr de un río, donde nada se queda atrás y todo fluye de manera natural, ningun corte para encimar algún error: esta es la escencia de la verdadera música.
El batería Charlie en el track "Watch your back, snowman" es el que lleva el liderazgo de toda la composición, mientras el background musical lo comparte guitarra/bajo, y la melodía es realizada por la segunda guitarra a la par de la mandolina. En el minuto 16 escuchen como se divide en varias voces la sencilla melodía, el bajo sube, la guitarra toma el lugar del bajo, la primer guitarra hace una voz y la mandolina otra voz diferente, a esto llamo yo verdadero trabajo en equipo. Al final podemos escuchar la confluencia de lo mejor de cada músico: riffs característicos del heavy metal, progresiones ajenas a la armonía blues, mas bien diría yo la influencia de la mandolina por lo clásico tirandole a flamenco (espero no equivocarme) y seguramente arrastra a todos los músicos a una fusión fuera de cualquier género donde desarrollan por si mismos su sonido.
Su música los llevará por paisajes sonoros, en "The man tripping through the west country" la mandolina de Txus suena con una textura suave que te lleva hacia la aventura del hombre que viaja por el país del oeste, un soundtrack que va creciendo y nos cuenta una historia aural, junto con la melodía de la guitarra de Cristian y las pausas para pasar a diferentes secciones de la composición. Me causa impresión y me intriga saber como llegaron a componer y a darle tal intensidad al desenlace de este track!?.
Oriente Medio
"Behind the steps..." es oscura y espacial. Esas armonías y melodías yo las habia escuchado ya en la música española, principalmente el flamenco que trae a su vez demasiado de oriente medio. Como sabemos este país fué habitado por árabes durante casi 800 años así que no es de extrañarse que hasta incluso nosotros los Americanos seamos tan afines a sonidos de oriente medio.
Esto lo digo por que es sumamente disfrutable, así como un disco del gran Sabicas ya sea a guitarra solo o con rock, o al grande John Berberian (que por cierto encontré por pura casualidad su música para laúd en especial su disco Expressions East) esos tienen lo que siempre busco y lo he hecho mi sello personal: improvisación y espontaneidad.
En verdad que oriente medio tiene una riquísima cultura milenaria inagotable, entre otras cosas lo que más me intriga son los cantos bizantinos otodoxos del año 700 al 1000 imagínense!!, más oscuros que un riff de Iommi (sin ofender) y que nos llevan hasta lo más remoto donde nuestros ancestros escucharon alguna vez en algún monasterio aislado en un desierto de medio oriente y pues si esto les sirve de materia prima mis queridos hermanos de Breaking Dawn... tómenlo y me compro mi boleto a españa para improvisar con ustedes! jajaja!...
Otro punto importante, la nota drone del bajo de Marino, se repite sin cansancio como el drone de una gaita, o un didgeridoo. Hace unos años escuché a un "jazzista" (pero era mas compositor) español en un festival aqui en la ciudad de méxico que tocaba un instrumento de percusión y de viento que emitía sonidos sumamente graves cercanos al didgeridoo o al Hom Pax maya, no recuerdo el nombre del instrumento, el compositor se llama Jose Luis Gutierrez y su Iberjazz trío... sinceramente dejó a todos idiotas en el festival dejándo a un lado la armonía blues y clásica chopaniana (característica del jazz) y se enfocó a tocar melodías de oriente medio al estilo de John Barberian o Anouar Brahem (malditasea como me gusta la música de ese compositor tunecino).
Lo que me agrada de este disco es que no se anidan ni hechan raices en un solo género por ejemplo digamos stoner, aquí hay paisajes sonoros mis hermanos! y hay demasiado talento.
Clasiqueando!
No me jodan! es increíble lo que se puede hacer fusionando géneros, es como llegar a otro planeta no lo sé. El inicio de "Watch your back, snowman" son acordes sencillos que Txus nos regala y que me recordó cuando quedé hipnotizado por la guitarra clásica escuchando a un guitarrista esloveno aquí en méxico tocando a J.S. Bach y a Agustín Barrios y su "la catedral"aquel guitarrista que en verdad hizo que me adentrara a estudiar por 3 años la guitarra clásica e hizo que viera otra perspectiva sobre la música (ya que yo fuí un acérrimo del metal extremo en la adolescencia) y vean ahora!. Cualquiera que este hambriento de sonidos, puede llegar a escucharlos y quedar impactado por la calidad que traen ustedes y lo inpiren a su vez para crear cosas nuevas. Tomen nota de como su música despierta imágenes y recuerdos, el trabajo está hecho hermanos!
Yo en lo personal digo que el sonido de la mandolína le da otro toque diferente que junto con el trabajo en equipo de todos hacen que su sonido sea excelente.
Me queda decirles que me gustó mucho su material y para los que se atrevieron a llegar hasta aqui con mi reseña, no tengan miedo de salirse del tradicional heavy rock, hay más música allá afuera que pueden tomar para crear algo sumamente original como es este material. Les doy las gracias a Alvaro Melenas y a todo Breaking Dawn of the Blue Nebula por contactarme y compartir su material para todo el público hermano de América, espero algun dia compartir escenario con ustedes!.
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| ΔS (2016) |
Escuchar o comprar aqui: https://bdotbn.bandcamp.com/releases
Trabajo en equipo.
Yo sé cuanto trabajo cuesta el encontrar a los músicos correctos, el costearse los ensayos, las desveladas semanales de trabajo/música, las pocas horas de convivencia familiar, y para ir al grano... ellos han tenido la fortuna de encontrarse en algun punto de sus vidas para dar vida a obras que para nada pretenden ser famosas, simplemente lo hacen por que es lo que siempre han querido hacer, bien si ganan y son famosos, bien si solo un grupo selecto de gente los escucha. Los integrantes son: Txus Cebollada a la mandolina, Marino Amorrortu al bajo, Álvaro Melenas a la guitarra, Cristian De Castro a la guitarra y Charlie Erebos a la batería.
Después de escuchar su material en una sola sentada puedo captar como existe correspondencia entre los cinco integrantes. Así es como debe sonar una banda mientras crean su propio material. Hago la comparativa de esto como el correr de un río, donde nada se queda atrás y todo fluye de manera natural, ningun corte para encimar algún error: esta es la escencia de la verdadera música.
El batería Charlie en el track "Watch your back, snowman" es el que lleva el liderazgo de toda la composición, mientras el background musical lo comparte guitarra/bajo, y la melodía es realizada por la segunda guitarra a la par de la mandolina. En el minuto 16 escuchen como se divide en varias voces la sencilla melodía, el bajo sube, la guitarra toma el lugar del bajo, la primer guitarra hace una voz y la mandolina otra voz diferente, a esto llamo yo verdadero trabajo en equipo. Al final podemos escuchar la confluencia de lo mejor de cada músico: riffs característicos del heavy metal, progresiones ajenas a la armonía blues, mas bien diría yo la influencia de la mandolina por lo clásico tirandole a flamenco (espero no equivocarme) y seguramente arrastra a todos los músicos a una fusión fuera de cualquier género donde desarrollan por si mismos su sonido.
Su música los llevará por paisajes sonoros, en "The man tripping through the west country" la mandolina de Txus suena con una textura suave que te lleva hacia la aventura del hombre que viaja por el país del oeste, un soundtrack que va creciendo y nos cuenta una historia aural, junto con la melodía de la guitarra de Cristian y las pausas para pasar a diferentes secciones de la composición. Me causa impresión y me intriga saber como llegaron a componer y a darle tal intensidad al desenlace de este track!?.
Oriente Medio
"Behind the steps..." es oscura y espacial. Esas armonías y melodías yo las habia escuchado ya en la música española, principalmente el flamenco que trae a su vez demasiado de oriente medio. Como sabemos este país fué habitado por árabes durante casi 800 años así que no es de extrañarse que hasta incluso nosotros los Americanos seamos tan afines a sonidos de oriente medio.
Esto lo digo por que es sumamente disfrutable, así como un disco del gran Sabicas ya sea a guitarra solo o con rock, o al grande John Berberian (que por cierto encontré por pura casualidad su música para laúd en especial su disco Expressions East) esos tienen lo que siempre busco y lo he hecho mi sello personal: improvisación y espontaneidad.
En verdad que oriente medio tiene una riquísima cultura milenaria inagotable, entre otras cosas lo que más me intriga son los cantos bizantinos otodoxos del año 700 al 1000 imagínense!!, más oscuros que un riff de Iommi (sin ofender) y que nos llevan hasta lo más remoto donde nuestros ancestros escucharon alguna vez en algún monasterio aislado en un desierto de medio oriente y pues si esto les sirve de materia prima mis queridos hermanos de Breaking Dawn... tómenlo y me compro mi boleto a españa para improvisar con ustedes! jajaja!...
Otro punto importante, la nota drone del bajo de Marino, se repite sin cansancio como el drone de una gaita, o un didgeridoo. Hace unos años escuché a un "jazzista" (pero era mas compositor) español en un festival aqui en la ciudad de méxico que tocaba un instrumento de percusión y de viento que emitía sonidos sumamente graves cercanos al didgeridoo o al Hom Pax maya, no recuerdo el nombre del instrumento, el compositor se llama Jose Luis Gutierrez y su Iberjazz trío... sinceramente dejó a todos idiotas en el festival dejándo a un lado la armonía blues y clásica chopaniana (característica del jazz) y se enfocó a tocar melodías de oriente medio al estilo de John Barberian o Anouar Brahem (malditasea como me gusta la música de ese compositor tunecino).
Lo que me agrada de este disco es que no se anidan ni hechan raices en un solo género por ejemplo digamos stoner, aquí hay paisajes sonoros mis hermanos! y hay demasiado talento.
Clasiqueando!
No me jodan! es increíble lo que se puede hacer fusionando géneros, es como llegar a otro planeta no lo sé. El inicio de "Watch your back, snowman" son acordes sencillos que Txus nos regala y que me recordó cuando quedé hipnotizado por la guitarra clásica escuchando a un guitarrista esloveno aquí en méxico tocando a J.S. Bach y a Agustín Barrios y su "la catedral"aquel guitarrista que en verdad hizo que me adentrara a estudiar por 3 años la guitarra clásica e hizo que viera otra perspectiva sobre la música (ya que yo fuí un acérrimo del metal extremo en la adolescencia) y vean ahora!. Cualquiera que este hambriento de sonidos, puede llegar a escucharlos y quedar impactado por la calidad que traen ustedes y lo inpiren a su vez para crear cosas nuevas. Tomen nota de como su música despierta imágenes y recuerdos, el trabajo está hecho hermanos!
Yo en lo personal digo que el sonido de la mandolína le da otro toque diferente que junto con el trabajo en equipo de todos hacen que su sonido sea excelente.
Me queda decirles que me gustó mucho su material y para los que se atrevieron a llegar hasta aqui con mi reseña, no tengan miedo de salirse del tradicional heavy rock, hay más música allá afuera que pueden tomar para crear algo sumamente original como es este material. Les doy las gracias a Alvaro Melenas y a todo Breaking Dawn of the Blue Nebula por contactarme y compartir su material para todo el público hermano de América, espero algun dia compartir escenario con ustedes!.
lunes, 26 de diciembre de 2016
A un año sin Lemmy Kilmister!
Mis hermanos, a un año de la muerte de Lemmy (maldición como lo extrañamos), he decidido hacer un especial de mis discos favoritos durante su trayectoria del bajista que mas me ha influenciado. Su carrera musical la inició con una banda de beat en inglaterra, no lo sé, pero yo empezaré por Sam Gopal y desde que fue un mugriento hippie de 24 años por allá de 1969 este músico intuitivo y formado en las calles no paró hasta el último día de su muerte el 28 de Diciembre del 2015. Aquí hablaré como de costumbre sobre como Lemmy fué un musico intuitivo e improvisaba junto con los músicos, de su sonido poderoso al bajo y su creatividad sin límites. La enseñanza que nos dejó Lemmy es que en este mundo se puede hacer lo que se quiera, tanto en la música como en lo divertida que puede ser la vida de un músico haciendo lo que le venga en gana... Bendita filosofía de vida Kilmisteriana!!!... Miguel Krieg.
Lemmy el maldito hippie.
Aqui podemos escuchar una banda de heavy psych sin baterista y con Sam Gopal a la tabla hindú. Un joven Lemmy canta con su tono de voz característico. Recuerdo la primera vez que los escuché no podía creer que Lemmy hubiese sido alguna vez un maldito hippie fanático del mismo Hendrix y Roadie por excelencia de la banda. El impacto que tuvo en mi este disco fue imprescindible ya que me abrió las orejas a escuchar más rock psicodélico y dejar a un lado la pesadez de Motorhead con que estaba acostumbrado.
En este disco Lemmy toca la guitarra rítmica y no el bajo como se esta acostumbrado. Esto creo yo que ayudó demasiado a Lemmy a tocar su bajo como si se tratase de una guitarra de forma violenta, haciendo acordes que no todos los bajistas hacen ya que carecen del conocimiento de un guitarrista. Aquí seguramente aprendió a orejear el heavy rock y experimentó con sonidos que lo harían pasarse a Hawkwind posteriormente.
Esta grabación tiene un aroma a marihuana, jaja! Para ser sinceros siempre que lo escucho me entran tremendas ganas de prender un porro, por ejemplo "The Sky is Burning", "Grass" es sumamente agradable para salirse al jardin y tirarse en el pasto a escuchar este disco y ver el cielo, suena demasiado hippie pero... me importa un carajo!.
A veces he llegado a despreciar a los hippies (aqui ya me contradije pero que importa) y en realidad me siento imbecil por despreciarlos ya que tuvieron sus mejores momentos y eso no lo niego, ya que casi toda la música moderna que ahora escuchamos viene de ellos, quien será el idiota que niegue esto?, tal vez nos podamos burlar de sus maneras de ser pero sus mentes no tenian límites a la hora de crear y si... Lemmy también fue un maldito hippie.
Antes de pasar a Hawkwind, dejenme decirles que aquí ya estaba el clásico sonido Motörhead de Lemmy, un bajo poderoso que probablemente el mismo Lemmy copió del bajista Phil Duke, seguramente Lemmy se sintió estúpido tocando una guitarra jaja... Principalmente podemos escuchar en el track "You're alone now" y "Escalator"... malditos hippies!
Escuchad el bajo y el único track con batería en el cover más violado de los 60's: "Season of the Witch", seguramente de ahí el señor Kilmister decidió que un bajó debería de tronar duro y sonar seco. Hago una mención impresionante para "Yesterlove", una balada compuesta por el mismo señor creador de canciones duras en Motörhead, realmente una balada que entristece demasiado. Amén!
Lemmy el vaquero espacial.
Para estas épocas en 1974, Lemmy comenzó a darse cuenta de que la moda hippie era estúpida. Amor, paz, y músiquita folk, flores en la cabeza, que mierda es eso? Sin ofender a nadie, antes de que Lemmy se saliera de Hawkwind grabó música espacial que estaban hundidos en drogas hasta el tope y estaban en su mejor momento creativo.
El registro más importante es toda la época en que Lemmy estuvo como bajista de Hawkwind y sus tres discos de estudio, pero en especial el disco en vivo Space Ritual... ustedes juzgarán por si mismos. Este álbum no contiene los tracks de rock compuestos por Lemmy: "Silver Machine" "The Watcher" "Lost Johnny" "Kings of Speed" "Motörhead" que por supuesto ya contenía la fórmula Motörhead. Space Ritual me dió la gana postearlo por que contiene a un Lemmy tocando rock espacial (cosa que ningun metalero de corazón en su vida haría). Pero aquí el maestro Lemmy dando lo mejor de sí con un bajo droneado y repetitivo a travez de unos marshall a bulbos altamente distorsionados y ardiendo a cada acorde, quién iba a imaginarse al padrino de los rockeros compartiendo escenario con una banda espacial?
La improvisación juega un papel importante en el sonido Hawkwind, aquí se encuentran en su estado más puro, más primitivo de tocar casi pegándole a lo que hizo Ash Ra Tempel con su primer disco, sin dudas este sería el soundtrack paralelo a lo que Ash Ra Tempel realizó en 1971. Escuchemos como el bajo atronador de Lemmy en Born to Go juega una base importantísima para todos los miembros... es sin lugar a dudas el que le da la energía motora a Hawkwind, esa energía que solo tiene el punk, el hardcore punk, el grind... junto con el baterista Simon King.
Orgone Acumulator no tiene madre, es un blues espacial con ese bajo que predomina por toda la improvisación y despues Upside Down, guitarra y bajo realizando acordes de poder que solo lemmy hacía y después ese cambio de acordes! Qué otro bajista realizaba acordes con sus cuerdas?. También la velocidad que lleva Brainstorm que empieza con la guitarra de Dave Brock y segundos despues entra el bajo Rick de lemmy compitiendo por abarcar el espacio de la pequeña sala Brixton Sundown el 30 de Diciembre de 1972 con una centena de fanáticos atorados en la oscuridad y con LSD haciendo efecto, viajando al espacio junto con la maquina veloz de HAWKWIND.
Escuchen como la maquinaria de Simon king es la que predomina sobre el sonido Hawkwind, aveces Lemmy toma la delantera y otras Dave decide como seguirá pero Simon es el que dice como irá el sonido con su batería imparable... en este caso en Brainstorm parece como si una canción de Napalm Death durara por 10 minutos, imagínense!...
Y aqui surge otra teoría... Hawkwind en verdad ayudó a forjar el punk en la isla? Yo creo que si, con ayuda de Motörhead y los Sex Pistols.
Motörhead.
No se cuantos discos haya lanzado Motörhead oficialmente pero malditasea yo me quedo con Overkill, el primero que escuche de este power trio y con el que aprendí a admirar el poder de tres personas con un objetivo en común: tocar rápido y ruidoso.
Recuerdo que estaba en la prepa en el 2006 y Motörhead lanzó su Kiss of Death, leí en una revista algunas reseñas de los albumes importantes y estaban: Ace of Spades, Orgasmatron, 1916, Inferno. Asi fue como vi que esta banda tenía una historia añejísima y decidí buscar por mi cuenta y empezar con sus inicios. El primer disco que encontre disponible a descargar fue este Overkill de 1979 y sinceramente cambió completamente mi lado musical agresivo para siempre. De ahí en adelante todos los proyectos musicales que he tenido siempre exijo dos cosas: el bajo debe sonar casi más que la guitarra, un bajo agresivo distorsionado y seco como en esta grabacion de Motorhead y la guitarra debe tener algo de Jimi Hendrix, influencia magnífica en el gran Eddie Fast con esos bends característicos hendrixianos y acordes de poder y acordes de blues distorsionados.
La batería rápida solo la había escuchado en discos modernos de Metal sin embargo fue Motorhead los que me hicieron irme hacia y explorar el punk en lugar del thrash en aquel lejano 2006 y la diferencia en gustos musicales respecto a mis colegas metaleros que se fueron por el thrash de ese entonces fué y es enorme. Una brecha se abrió en los gustos musicales y ahora digo que gracias a Motörhead me adentré al stoner, al heavy rock, al black metal y metal extremo, al hardcore punk y hasta a la electrónica: dub, drum and bass, claro... en búsqueda del sonido de un bajo agresivo y atronador como el de Lemmy Kilmister.
Todas son mis favoritas pero le tengo un cariño especial a Limb From Limb, himno para conquistar nenas. Ja ja!!!
Lemmy el sabio.
Después de años de trayectoria y de tantos discos de Motörhead uno vuelve a lo primero con que comenzó: su afición de Lemmy al rock and roll, a los beatles y al blues así que decide sacar en el 2005 con su banda de rockabilly unas grabaciones que refrescaron la carrera del veterano. Lamento mucho no haber ido a verlo la vez que vino con los Head Cat aqui en la ciudad de méxico ni tampoco haberlos ido a ver en el 2014 creo, joder!...
Hermanos, cada canción de este album me mata!, me recuerda la vida de Lemmy que influenció nuestras carreras para siempre con tan solo escuchar su música y sin haberlo conocido. Para mi es el punto de madurez de un veterano. Si llegase a viejo creo que yo regresaría a la sencillez del blues despues de miles de experimentaciones sonoras, tal como Lemmy lo hizo.
Este disco me hizo explorar los 50's en el rock and roll, les recomiendo bajarse la compilación de: Loud, Fast and Out of Control - The Wild Sounds of 50s Rock, donde viene mucho rock and roll salvaje incluído Little Richard y Screamin Jay Hawkins. También aprendí a apreciar el Doo wop que Frank Zappa tocaba con sus Mothers de manera satírica y divertida y hasta llegue a apreciar la música de Johnny Cash!! Gracias Lemmy!...
Lemmy el maldito hippie.
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| Sam Gopal - Escalator (1969) |
Aqui podemos escuchar una banda de heavy psych sin baterista y con Sam Gopal a la tabla hindú. Un joven Lemmy canta con su tono de voz característico. Recuerdo la primera vez que los escuché no podía creer que Lemmy hubiese sido alguna vez un maldito hippie fanático del mismo Hendrix y Roadie por excelencia de la banda. El impacto que tuvo en mi este disco fue imprescindible ya que me abrió las orejas a escuchar más rock psicodélico y dejar a un lado la pesadez de Motorhead con que estaba acostumbrado.
En este disco Lemmy toca la guitarra rítmica y no el bajo como se esta acostumbrado. Esto creo yo que ayudó demasiado a Lemmy a tocar su bajo como si se tratase de una guitarra de forma violenta, haciendo acordes que no todos los bajistas hacen ya que carecen del conocimiento de un guitarrista. Aquí seguramente aprendió a orejear el heavy rock y experimentó con sonidos que lo harían pasarse a Hawkwind posteriormente.
Esta grabación tiene un aroma a marihuana, jaja! Para ser sinceros siempre que lo escucho me entran tremendas ganas de prender un porro, por ejemplo "The Sky is Burning", "Grass" es sumamente agradable para salirse al jardin y tirarse en el pasto a escuchar este disco y ver el cielo, suena demasiado hippie pero... me importa un carajo!.
A veces he llegado a despreciar a los hippies (aqui ya me contradije pero que importa) y en realidad me siento imbecil por despreciarlos ya que tuvieron sus mejores momentos y eso no lo niego, ya que casi toda la música moderna que ahora escuchamos viene de ellos, quien será el idiota que niegue esto?, tal vez nos podamos burlar de sus maneras de ser pero sus mentes no tenian límites a la hora de crear y si... Lemmy también fue un maldito hippie.
Antes de pasar a Hawkwind, dejenme decirles que aquí ya estaba el clásico sonido Motörhead de Lemmy, un bajo poderoso que probablemente el mismo Lemmy copió del bajista Phil Duke, seguramente Lemmy se sintió estúpido tocando una guitarra jaja... Principalmente podemos escuchar en el track "You're alone now" y "Escalator"... malditos hippies!
Escuchad el bajo y el único track con batería en el cover más violado de los 60's: "Season of the Witch", seguramente de ahí el señor Kilmister decidió que un bajó debería de tronar duro y sonar seco. Hago una mención impresionante para "Yesterlove", una balada compuesta por el mismo señor creador de canciones duras en Motörhead, realmente una balada que entristece demasiado. Amén!
Lemmy el vaquero espacial.
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| Hawkwind - Space Ritual (1973) CD1 CD2 |
Para estas épocas en 1974, Lemmy comenzó a darse cuenta de que la moda hippie era estúpida. Amor, paz, y músiquita folk, flores en la cabeza, que mierda es eso? Sin ofender a nadie, antes de que Lemmy se saliera de Hawkwind grabó música espacial que estaban hundidos en drogas hasta el tope y estaban en su mejor momento creativo.
El registro más importante es toda la época en que Lemmy estuvo como bajista de Hawkwind y sus tres discos de estudio, pero en especial el disco en vivo Space Ritual... ustedes juzgarán por si mismos. Este álbum no contiene los tracks de rock compuestos por Lemmy: "Silver Machine" "The Watcher" "Lost Johnny" "Kings of Speed" "Motörhead" que por supuesto ya contenía la fórmula Motörhead. Space Ritual me dió la gana postearlo por que contiene a un Lemmy tocando rock espacial (cosa que ningun metalero de corazón en su vida haría). Pero aquí el maestro Lemmy dando lo mejor de sí con un bajo droneado y repetitivo a travez de unos marshall a bulbos altamente distorsionados y ardiendo a cada acorde, quién iba a imaginarse al padrino de los rockeros compartiendo escenario con una banda espacial?
La improvisación juega un papel importante en el sonido Hawkwind, aquí se encuentran en su estado más puro, más primitivo de tocar casi pegándole a lo que hizo Ash Ra Tempel con su primer disco, sin dudas este sería el soundtrack paralelo a lo que Ash Ra Tempel realizó en 1971. Escuchemos como el bajo atronador de Lemmy en Born to Go juega una base importantísima para todos los miembros... es sin lugar a dudas el que le da la energía motora a Hawkwind, esa energía que solo tiene el punk, el hardcore punk, el grind... junto con el baterista Simon King.
Orgone Acumulator no tiene madre, es un blues espacial con ese bajo que predomina por toda la improvisación y despues Upside Down, guitarra y bajo realizando acordes de poder que solo lemmy hacía y después ese cambio de acordes! Qué otro bajista realizaba acordes con sus cuerdas?. También la velocidad que lleva Brainstorm que empieza con la guitarra de Dave Brock y segundos despues entra el bajo Rick de lemmy compitiendo por abarcar el espacio de la pequeña sala Brixton Sundown el 30 de Diciembre de 1972 con una centena de fanáticos atorados en la oscuridad y con LSD haciendo efecto, viajando al espacio junto con la maquina veloz de HAWKWIND.
Escuchen como la maquinaria de Simon king es la que predomina sobre el sonido Hawkwind, aveces Lemmy toma la delantera y otras Dave decide como seguirá pero Simon es el que dice como irá el sonido con su batería imparable... en este caso en Brainstorm parece como si una canción de Napalm Death durara por 10 minutos, imagínense!...
Y aqui surge otra teoría... Hawkwind en verdad ayudó a forjar el punk en la isla? Yo creo que si, con ayuda de Motörhead y los Sex Pistols.
Motörhead.
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| Motörhead - Overkill (1979) |
No se cuantos discos haya lanzado Motörhead oficialmente pero malditasea yo me quedo con Overkill, el primero que escuche de este power trio y con el que aprendí a admirar el poder de tres personas con un objetivo en común: tocar rápido y ruidoso.
Recuerdo que estaba en la prepa en el 2006 y Motörhead lanzó su Kiss of Death, leí en una revista algunas reseñas de los albumes importantes y estaban: Ace of Spades, Orgasmatron, 1916, Inferno. Asi fue como vi que esta banda tenía una historia añejísima y decidí buscar por mi cuenta y empezar con sus inicios. El primer disco que encontre disponible a descargar fue este Overkill de 1979 y sinceramente cambió completamente mi lado musical agresivo para siempre. De ahí en adelante todos los proyectos musicales que he tenido siempre exijo dos cosas: el bajo debe sonar casi más que la guitarra, un bajo agresivo distorsionado y seco como en esta grabacion de Motorhead y la guitarra debe tener algo de Jimi Hendrix, influencia magnífica en el gran Eddie Fast con esos bends característicos hendrixianos y acordes de poder y acordes de blues distorsionados.
La batería rápida solo la había escuchado en discos modernos de Metal sin embargo fue Motorhead los que me hicieron irme hacia y explorar el punk en lugar del thrash en aquel lejano 2006 y la diferencia en gustos musicales respecto a mis colegas metaleros que se fueron por el thrash de ese entonces fué y es enorme. Una brecha se abrió en los gustos musicales y ahora digo que gracias a Motörhead me adentré al stoner, al heavy rock, al black metal y metal extremo, al hardcore punk y hasta a la electrónica: dub, drum and bass, claro... en búsqueda del sonido de un bajo agresivo y atronador como el de Lemmy Kilmister.
Todas son mis favoritas pero le tengo un cariño especial a Limb From Limb, himno para conquistar nenas. Ja ja!!!
Lemmy el sabio.
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| The Head Cat - Fool's Paradise (2006) |
Después de años de trayectoria y de tantos discos de Motörhead uno vuelve a lo primero con que comenzó: su afición de Lemmy al rock and roll, a los beatles y al blues así que decide sacar en el 2005 con su banda de rockabilly unas grabaciones que refrescaron la carrera del veterano. Lamento mucho no haber ido a verlo la vez que vino con los Head Cat aqui en la ciudad de méxico ni tampoco haberlos ido a ver en el 2014 creo, joder!...
Hermanos, cada canción de este album me mata!, me recuerda la vida de Lemmy que influenció nuestras carreras para siempre con tan solo escuchar su música y sin haberlo conocido. Para mi es el punto de madurez de un veterano. Si llegase a viejo creo que yo regresaría a la sencillez del blues despues de miles de experimentaciones sonoras, tal como Lemmy lo hizo.
Este disco me hizo explorar los 50's en el rock and roll, les recomiendo bajarse la compilación de: Loud, Fast and Out of Control - The Wild Sounds of 50s Rock, donde viene mucho rock and roll salvaje incluído Little Richard y Screamin Jay Hawkins. También aprendí a apreciar el Doo wop que Frank Zappa tocaba con sus Mothers de manera satírica y divertida y hasta llegue a apreciar la música de Johnny Cash!! Gracias Lemmy!...
domingo, 18 de diciembre de 2016
Konrad Plank y su pasión por la música.
Bienvenidos una vez mas a un nuevo post mensual de sonidos primitivos, hoy decido hacer un artículo especial como regalo de fin de año para todos ustedes para traerles a uno de los mejores productores, ingenieros, compositores y arreglistas alemanes de los 70's y 80's: Conny Plank, genio detrás de muchos discos emblemáticos de la época de la Kosmische Musik que el dia de hoy es su aniversario luctuoso y desgraciadamente ya vamos 29 años sin Conny en este mundo. El dia de hoy 18 de diciembre y el 3 de mayo los declaro oficialmente el dia de San Konrad y es para escuchar todo el dia su trabajo y rendirle culto. Escuchen con detalle cada uno de estos discos, si hay alguno que se me haya escapado por favor comenten y lo escucharé con todo agrado, hoy domingo de descanso es mi propósito, escuchar a detalle después de tanta basura comercial escuchada forzosamente en la semana durante el trabajo, en el transporte público, en la calle... Ajuaaaaa!... Feliz Navidad a todos cabrones y nos leemos la otra semana con algo que escribiré sobre Lemmy. Miguel krieg.
¿Cuál es el trabajo de un productor musical?
Inicio este post con palabras de un productor musical experimentado que aun sobrevive y que ha trabajado en la industria moderna.
"Ok, esto se ha vuelto un tema delicado por que el término “productor musical” se ha distorsionado en los últimos años con la venida de las estaciones de trabajo digitales (Logic, fruity loops, reason, ableton live, pro tools, etc). Un productor músical es el encargado de hacer tu canción sonar de la manera que el piensa que tu canción debe de sonar para ser competitiva en el mercado en el que tu canción estará. Alguien que hace beats en su laptop con FL studio es un “apachurrabotones”. El productor musical debe ser el tipo que toma el estudio y al ingeniero para trabajar en tu canción desde su experiencia de haber trabajado con canciones similares con los mismos tipos (ingeniero y estudio). El productor musical es contratado por sus ideas dentro de tu género musical. También hay productores vocales, esos tipos pueden tomar tus voces y hacer cantarlas de la manera que saben que pueden y de la manera en que la canción necesita ser cantada. Entonces ellos usualmente trabajan con alguien que mezcle para poner las voces juntas de la manera en que las canciones necesiten sonar lo mejor posible. Los “apachurrabotones” toman samplers y los ponen juntos con otros samples para hacer una canción. Ellos no son productores musicales. Lo siento.
Donny Baker (productor moderno veterano)."
¿Cuál es el trabajo de un ingeniero musical?
Un ingeniero de audio trabaja con los aspectos técnicos del sonido durante los procesos de grabación, mezcla y reproducción. Los ingenieros de audio a menudo ayudan a los productores y a los músicos a dar a su trabajo el sonido que ellos están esperando lograr. Por ejemplo, un ingeniero de audio unirá las partes de una canción, auto afinará en una grabación y agregará sonidos sintéticos a un track. Los ingenieros de audio son diferentes de los productores. Sin embargo, algunos ingenieros van más allá de sus carreras y la fusionan con el de productor musical. Existen muchos campos de la ingeniería de audio en el que uno puede convertirse para desempeñar un cargo en específico.
definición tomada de la pagina sokanu.com
Ahora vamos en palabras del propio Konrad:
El disco favorito por excelencia por miles en este blog, fué grabado por más ni menos que Konrad Plank, por eso podemos escuchar el sonido característico de cada una de las bandas en esta lista por que simplemente el señor Plank sabía como debía sonar cada banda sin moldearlas de acuerdo a sus gustos, simplemente comparen de esta banda cuál es la más ruidosa sino esta? y cual se parece a cual? NINGUNA!... Mi sorpresa fué que el track clásico "Got a Bone from my Own" fue trabajado junto con plank y todo Night Sun en el proceso de composición y letras, maldición que pesado estaba este productor!... Escuchen el solo de batería en Living With the dying!... la batería es realzada con un flanger o no se como se llame el efecto, y pasa de izquierda a derecha pero jamás el hi hat se mueve de su lugar, es la magia de Conny malditasea, que haríamos sin esas personas que se dedican a grabar a los músicos? Probablemente sonaríamos como mis demos grabados directamente a computadora con un microfono, jajaja...
El duo Ralf/Florian inician aquí con música experimental al estilo alemán, nada que ver con la posterior evolución de su sonido! Este duo que venian de música de conservatorio fueron testigos de esta generación sumamente creativa y formaron parte de ella! Este disco fue realizado con la ayuda del baterista Klaus Dinger y Andreas Hohmann así como producido y grabado por Konrad Plank! Maldición es como estar dentro de una maquina y ver como funcionan cada uno de sus componentes mientras esta se traslada sobre una ciudad futurística. Bien lo dice Justin Broadrick (que por cierto su servidor estuvo presente en su concierto en la ciudad de méxico el pasado 3 de diciembre)... bien dice que la música del futuro es la música electrónica fusionada con los instrumentos que se dispongan a la mano. Aquí pueden ver la forma primitiva y lenta de muchos géneros de la actualidad: techno, house, drum and bass, hip hop (por las baterías), ambient, y lo que podrá venir de aquí en unos 50 años, imagínen que música habrá cuando tengamos 70 años de edad en el lejano 2061? Las posibilidades son infinitas hermanos y hermanas!... El último track los ultimos 3 minutos de "Vom Himmel..." es prácticamente lo que hacen los Chemical Brothers o The prodigy! jajaja que grata sorpresa!!!!
Como conclusión, les invito a leer una de sus entrevistas en ingles de este excelente productor e ingeniero de audio aqui, les dará otro punto de vista acerca de la música: http://www.emusician.com/artists/1333/man-vs-machine-conny-plank/38298
¿Cuál es el trabajo de un productor musical?
Inicio este post con palabras de un productor musical experimentado que aun sobrevive y que ha trabajado en la industria moderna.
"Ok, esto se ha vuelto un tema delicado por que el término “productor musical” se ha distorsionado en los últimos años con la venida de las estaciones de trabajo digitales (Logic, fruity loops, reason, ableton live, pro tools, etc). Un productor músical es el encargado de hacer tu canción sonar de la manera que el piensa que tu canción debe de sonar para ser competitiva en el mercado en el que tu canción estará. Alguien que hace beats en su laptop con FL studio es un “apachurrabotones”. El productor musical debe ser el tipo que toma el estudio y al ingeniero para trabajar en tu canción desde su experiencia de haber trabajado con canciones similares con los mismos tipos (ingeniero y estudio). El productor musical es contratado por sus ideas dentro de tu género musical. También hay productores vocales, esos tipos pueden tomar tus voces y hacer cantarlas de la manera que saben que pueden y de la manera en que la canción necesita ser cantada. Entonces ellos usualmente trabajan con alguien que mezcle para poner las voces juntas de la manera en que las canciones necesiten sonar lo mejor posible. Los “apachurrabotones” toman samplers y los ponen juntos con otros samples para hacer una canción. Ellos no son productores musicales. Lo siento.
Donny Baker (productor moderno veterano)."
¿Cuál es el trabajo de un ingeniero musical?
Un ingeniero de audio trabaja con los aspectos técnicos del sonido durante los procesos de grabación, mezcla y reproducción. Los ingenieros de audio a menudo ayudan a los productores y a los músicos a dar a su trabajo el sonido que ellos están esperando lograr. Por ejemplo, un ingeniero de audio unirá las partes de una canción, auto afinará en una grabación y agregará sonidos sintéticos a un track. Los ingenieros de audio son diferentes de los productores. Sin embargo, algunos ingenieros van más allá de sus carreras y la fusionan con el de productor musical. Existen muchos campos de la ingeniería de audio en el que uno puede convertirse para desempeñar un cargo en específico.
definición tomada de la pagina sokanu.com
Ahora vamos en palabras del propio Konrad:
"El trabajo de un productor - más allá del aspecto tecnológico - es, como yo lo entiendo, crear una atmósfera que este completamente libre de miedo y reserva, para encontrar ese momento único sin experiencia y novato de inocencia y presionar el botón justo en el momento exacto para capturarlo. Eso es. Lo demás puede ser aprendido y es mero arte."
Konrad Plank
Scorpions - Lonesome Crow (1972)
Producción: Conny Plank
Señores y señoras, que puedo decir de esta banda y su sonido en su primer disco?, es una verdadera delicia el escuchar a estos primitivos Scorpions que aun no se habían vuelto famosos dentro de la escena Heavy Metal ochentera. Aquí Michael Schenker de UFO tocaba junto a su hermano Rudolf y creaban un dueto de guitarras gemelas impresionante!, comparado con la maestria del dueto Duane-Dickie o Tipton-Downing, escuchen la calidad del audio y la estructura de cada composición perfectamente pulida por el señor Conny Plank, el bombo se escucha como si estuviese realmente tocando la banda frente a mi... No tengo tracks favoritos, todo el disco es mi favorito, y que mejor escuchar cada detalle y la nitidez de la grabación, obra del genio de estos primerizos Scorpions y bendecidos con la mano experimentada de San Konrad Plank.
Night Sun - Mournin' (1972)
Ingeniero de estudio y compositor en track 3: Conny Plank
El disco favorito por excelencia por miles en este blog, fué grabado por más ni menos que Konrad Plank, por eso podemos escuchar el sonido característico de cada una de las bandas en esta lista por que simplemente el señor Plank sabía como debía sonar cada banda sin moldearlas de acuerdo a sus gustos, simplemente comparen de esta banda cuál es la más ruidosa sino esta? y cual se parece a cual? NINGUNA!... Mi sorpresa fué que el track clásico "Got a Bone from my Own" fue trabajado junto con plank y todo Night Sun en el proceso de composición y letras, maldición que pesado estaba este productor!... Escuchen el solo de batería en Living With the dying!... la batería es realzada con un flanger o no se como se llame el efecto, y pasa de izquierda a derecha pero jamás el hi hat se mueve de su lugar, es la magia de Conny malditasea, que haríamos sin esas personas que se dedican a grabar a los músicos? Probablemente sonaríamos como mis demos grabados directamente a computadora con un microfono, jajaja...
Neu! - Neu!(1972)
Producción: Conny Plank
"Disculpen ustedes pero me atrevo a decir que Pink Floyd escuchó alguna vez a Neu!".
Maldición hermanos, Neu! esta perfectamente grabado, no he escuchado nada mejor grabado que esto, el sonido corre naturalmente y no existen distorsiones ni pretenciones las cuales hoy en día abundan. Esto es sonido puro tocado con coraje y cojones, nada aqui esta de más, nada se esfuerza por alcanzar un tono, o sonar como a, o querer ser más que... eso es basura, esto es lo mejor!
El motorik a 4/4 es lo que se necesita, el sonido característico de los Krafwerk y la música alemana en los 70's, va a los ritmos del latido del corazón si ustedes le suben el volumen sentirán como si fuesen corriendo o a paso veloz sobre paisajes y automáticamente la música cumple con su misión. La guitarra áspera del lado izquierdo con el wah al tope, la guitarra con vibrato a la derecha, el bajo con nota pedal al centro y la bateria distribuyendose por los lados, derramandose como una cascada. Todo tocado por el dueto Klaus Dinger (batería, voces, guitarra) y Michael Roter (guitarra, bajo, contrabajo) ayudados por el entonces ingeniero de estudio Conny Plank con sus técnicas experimentales para microfonear una batería. Disculpen ustedes pero me atrevo a decir que Pink Floyd escuchó alguna vez a Neu!.
Escuchad Sonderangebot! el sonido del plato alentado al máximo, da una textura única y un ambiente escalofriante, se puede escuchar como las ondas sonoras van estirandose todo es tranquilidad hasta ese platillazo, esto es increíble!, experimentación sonora en su estado puro!.
Kraftwerk - Kraftwerk (1970)
Ingeniero de estudio y productor: Conny Plank
El duo Ralf/Florian inician aquí con música experimental al estilo alemán, nada que ver con la posterior evolución de su sonido! Este duo que venian de música de conservatorio fueron testigos de esta generación sumamente creativa y formaron parte de ella! Este disco fue realizado con la ayuda del baterista Klaus Dinger y Andreas Hohmann así como producido y grabado por Konrad Plank! Maldición es como estar dentro de una maquina y ver como funcionan cada uno de sus componentes mientras esta se traslada sobre una ciudad futurística. Bien lo dice Justin Broadrick (que por cierto su servidor estuvo presente en su concierto en la ciudad de méxico el pasado 3 de diciembre)... bien dice que la música del futuro es la música electrónica fusionada con los instrumentos que se dispongan a la mano. Aquí pueden ver la forma primitiva y lenta de muchos géneros de la actualidad: techno, house, drum and bass, hip hop (por las baterías), ambient, y lo que podrá venir de aquí en unos 50 años, imagínen que música habrá cuando tengamos 70 años de edad en el lejano 2061? Las posibilidades son infinitas hermanos y hermanas!... El último track los ultimos 3 minutos de "Vom Himmel..." es prácticamente lo que hacen los Chemical Brothers o The prodigy! jajaja que grata sorpresa!!!!
Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel (1971)
Ingeniero de estudio: Conny Plank
Impresionante grabación, una de las primeras que en verdad recrea en forma asombrosa los sonidos espaciales y desconocidos, música que apartir de la repetición, el drone, los efectos análogos-electrónicos recrean una atmósfera que ni diez programas de software moderno podrán alcanzar la intensidad y entusiasmo capturados aqui,.. nunca. Manuel Göttsching a la guitarra con sus efectos echo, delay, memory man, etc... impresionante y jamás toca el blues!, Klaus Shulze a la batería y sintetizador moog que crea atmósferas increíbles, un tren imparable o una nave en ascenso a velocidades ignotas hacia el cosmos sin descanso es lo que mejor describe al creador de los blast beats: Klaus Schulze! (disculpenme punks) obra de una impresionante batería intuitiva..., y Hartmut Enke al bajo, llenando con notas graves el espacio ya de por si masacrado por los anteriores guitarra-batería. El genio detrás del sonido inmortalizado es Conny Plank en sus inicios como ingeniero y productor, imagínense su cara al escuchar a semejante coloso!
Kraftwerk - Ralf & Florian (1973)
Ingeniero de estudio: Conny Plank
Dos veces kraftwerk en este post y se preguntarán, por que no el hit mundial de Autobahn? Simplemente este disco influyó para que Brian Eno hiciera su música para Aeropuertos e hizo que el mismo Brian en persona viniera a visitar a varios músicos alemanes incluído al mismo Plank, sinceramente este es mi disco favorito de Kraftwerk por que combina una sensación de atmósferas pacíficas increíbles que solamente se podía crear con la ayuda de Conny Plank. Para ser concretos, este fue el disco que marcó la transición de Kraftwerk de una banda que experimenta a una banda más sólida y con objetivos. Aqui existen demasiados sonidos crudos que automáticamente dibujan imágenes y paisajes sonoros en nuestros cerebros.
Como conclusión, les invito a leer una de sus entrevistas en ingles de este excelente productor e ingeniero de audio aqui, les dará otro punto de vista acerca de la música: http://www.emusician.com/artists/1333/man-vs-machine-conny-plank/38298
domingo, 30 de octubre de 2016
Hairy Chapter - Can't Get Throught (1971) Kosmische Musik Series
Bienvenidos una vez más a Sonidos Primitivos, después de ausentarme por semanas debido al trabajo tengo la oportunidad de escribir cómodamente tomando un café bien cargado, mientras pienso en que mañana hay que regresar al trabajo... me preguntaba que maldito disco subiré ahora? y se me ocurrió subir uno que he estado escuchando más últimamente: Hairy Chapter. Esas bandas alemanas en verdad que sabían construir desde cero, sin recibir influencias directas ni del blues ni de Jimi hendrix, bueno tal vez del buen Hendrix si... y del heavy rock más escuchado en esa epoca: Sabbath y Zeppelin. Lean esta reflexión filosófica barata acerca de la composición musical, si les sirve de algo tomenlo, si no alejense. Miguel Krieg
Introducción a la improvisación.
Señores y señoras, estamos ante un disco 100% improvisado, el momento de su creación fueron mientras jameaban y posteriormente nacieron las composiciones. No fué así de "el dia de hoy quiero componer una canción en verdad HEAVY"... para nada viejos, olvidense de eso que sólo lograrán crear música desechable, asquerosa e inaudible. El sentimiento debe nacer en el momento o no hacerse, debe nacer por la necesidad de expresar: odio, amor, tristeza, alegría, pachequez, energía pura, terror cósmico o el sentimiento que ustedes quieran darle a la composición.
En lo personal si mi estado de ánimo no está para tocar un riff salvaje creanme que no lo disfruto, en lugar de eso me refugio en un blues lento a la Muddy en Folk singer, una línea melódica a la Duane Allman y Dickie Betts, a los acordes jazzeros de Wes Montgomery, a la experimentación sonora de Manuel Gottsching, o a acordes y solos puntiagudos de Frank Zappa. Así de esta manera es cómo yo supongo fué creado este disco; energía a chorros fluyendo desde las manos y mentes maestras de estos genios que sin saberlo estaban creando música para la posteriedad, no se preocupaban por el sonar como a, o el ser mejor que, o el que dirá el presentador fulano de tal, o pensar en crear material aceptable para las masas. NO.
The Art Of Shredd
Escuchen esos solos a mitad de "Can't Get Trought", seguramente el guitarrista (como a mi me pasa mientras improviso) pensaba en Black Sabbath y su "Wicked World" y en "Heartbreaker" de Zeppelin mientras ejecutaba el solo jaja! Intentenlo y verán como sus cerebros se enganchan al solo de guitarra automáticamente y le dan el toque que deseen tener mientras improvisan. Por ejemplo mientras ejecutan un solo a mitad de una improvisación piensen en su solo favorito que se adaptaría bien a su propia comosición. Los recursos en verdad son inagotables! Esto es a lo que el gran Dimebag Darrel llamaba "The Art of Shredd" o en español "El arte de improvisar", es sólo emoción...
Después de estudiar yo con un maestro cubano decidí abandonar un poco la rigidez aun impuesta de la armonía moderna y me dí cuenta que todas las notas musicales encajan con cualquier acorde, me refiero a que no importa si tienes en tu mano un power chord o un acorde de 7ma mayor, cualquier nota que hagas parte de tu solo de guitarra es correcta, solo que algunas son "notas de paso" que son las que suenan disonantes o fuera de tono y otras dan correctamente con el acorde, así la energía pura del sonido es expresada y la escencia del momento es capturada en la grabación, y no se escucha monotonía ni sufrimiento ni repetición o hastío por parte del compositor, es libertad total!
La cagaste mi hermano! paren todo y hay que regrabar!.
"It must be an Officer's Daughter", malditasea!, escuchen que disonancias tan cabronas cuando empieza la parte lenta del verso, tal vez una segunda menor, no se, un semitono que crea un nudo en la guitarra y una tensión impresionante!.... Al comienzo de la parte lenta al baterista se le va el tempo y se "cuatrapea" con su propio bombo, pero esto no es motivo para detener la grabación y decir "vamos a hacer otra toma por que la cagaste mi hermano", simplemente el baterista siguió y me puedo imaginar cómo el guitarrista y el bajista voltearon a ver al batería guiándolo por dónde retomar el ritmo para seguir con la parte lenta y efectivamente lo logra, no se frustra ni maldice por no ser como Dave Lombardo o Lars no se que de Metallica que son pegadísimos al metrónomo, alergicos a los errores y lloricones si su batería entró mal en alguna sección pidiendo regrabar una nueva sesión. Al carajo con ellos!.
La improvisación en este track es impresionante, la subida de nivel después de la parte lenta es impresionante, jamás había escuchado algo así en música de nuestra época. Es para volverse locos mis hermanos! y después el guía espiritual de la banda, o el director del cuarteto regresa al riff principal para terminar esta obra maestra y los jala a todos y obliga a cerrar con lo que empezaron. Así debe dirigirse una improvisación!
Este track en verdad es una balada sucia, para dedicarse a cualquier hermosa chica, lo poco que logro entender de ingles creo que es verdad! Si ustedes entienden mejor la letra corriganme este error o por favor confirmen que se trata deuna balada sucia. Ja!!!
Discapacitado del pentagrama musical.
Escuchen sus influencias de estos músicos, como ya sabemos los alemanes querían su propia música y no música de "negros", bien por ellos ya que crearon cosas impresionantes como esta pieza "rara" que tiene un estilo de Música Clásica Moderna, o música de academia "Contemporánea" (Aunque al principio Hairy Chapter fue una banda con tintes de Blues Rock). Ellos seguramente escuchaban todas las musicas nuevas que fueron tocadas despues de la guerra y aquí el resultado, música para ensamble acústico, y un track de fondo sampleado en cassette que deforma el coro de manera tenebrosa, escuchan? que buen experimento es este track! Para acabar en esto las trompetas que armonizan y le dan un toque maravilloso. Escuchan?
Esto mis hermanos lo he venido pensando desde que me atreví a crear mi propia música, improvisar para crear. He tratado de crear música sin mi guitarra en la mano, con solo los puntos y lineas en un papel pero no puedo, tal vez carezco de ese talento académico validado y apreciado por todo mundo pero que más da? si es como mejor me acomodo prefiero seguir el ejemplo de la improvisación y entrenamiento auditivo a través de álbumes y horas de recreación con otros músicos jammeando que estudiar un tomo completo de armonía moderna y contrapunto. Sin ofender!. Si tienen su punto de vista y difiere con el mio por favor en la sección de comentarios.
Como dato adicional no recuerdo donde leí que en una de las giras de Black Sabbath por alemania (en Hannover 1971 para ser más exactos) Iommi le regaló a Harry Titlbach un cabezal Laney de 100 watts de la época y esto ayudó bastante al sonido de Hairy Chapter. Maldito afortunado jajaja! y chequen la Gibson de Harry con pastillas P90! y su Epiphone Wilshire del 62:
Demos gracias a estos músicos, su trabajo es apreciado y si en algun momento veo su disco en vinil o original tengan la seguridad que lo compraré: Harry Titlbach a la guitarra, Harry Unte a la voz, Rudolf Oldenburg al bajo, Rudi Haubold y Werner Faus a la batería.
Aqui.
Si lo quieren en flac pregunten a san google.
Introducción a la improvisación.
"El dia de hoy quiero componer una canción en verdad HEAVY..."
Señores y señoras, estamos ante un disco 100% improvisado, el momento de su creación fueron mientras jameaban y posteriormente nacieron las composiciones. No fué así de "el dia de hoy quiero componer una canción en verdad HEAVY"... para nada viejos, olvidense de eso que sólo lograrán crear música desechable, asquerosa e inaudible. El sentimiento debe nacer en el momento o no hacerse, debe nacer por la necesidad de expresar: odio, amor, tristeza, alegría, pachequez, energía pura, terror cósmico o el sentimiento que ustedes quieran darle a la composición.
En lo personal si mi estado de ánimo no está para tocar un riff salvaje creanme que no lo disfruto, en lugar de eso me refugio en un blues lento a la Muddy en Folk singer, una línea melódica a la Duane Allman y Dickie Betts, a los acordes jazzeros de Wes Montgomery, a la experimentación sonora de Manuel Gottsching, o a acordes y solos puntiagudos de Frank Zappa. Así de esta manera es cómo yo supongo fué creado este disco; energía a chorros fluyendo desde las manos y mentes maestras de estos genios que sin saberlo estaban creando música para la posteriedad, no se preocupaban por el sonar como a, o el ser mejor que, o el que dirá el presentador fulano de tal, o pensar en crear material aceptable para las masas. NO.
The Art Of Shredd
Escuchen esos solos a mitad de "Can't Get Trought", seguramente el guitarrista (como a mi me pasa mientras improviso) pensaba en Black Sabbath y su "Wicked World" y en "Heartbreaker" de Zeppelin mientras ejecutaba el solo jaja! Intentenlo y verán como sus cerebros se enganchan al solo de guitarra automáticamente y le dan el toque que deseen tener mientras improvisan. Por ejemplo mientras ejecutan un solo a mitad de una improvisación piensen en su solo favorito que se adaptaría bien a su propia comosición. Los recursos en verdad son inagotables! Esto es a lo que el gran Dimebag Darrel llamaba "The Art of Shredd" o en español "El arte de improvisar", es sólo emoción...
Después de estudiar yo con un maestro cubano decidí abandonar un poco la rigidez aun impuesta de la armonía moderna y me dí cuenta que todas las notas musicales encajan con cualquier acorde, me refiero a que no importa si tienes en tu mano un power chord o un acorde de 7ma mayor, cualquier nota que hagas parte de tu solo de guitarra es correcta, solo que algunas son "notas de paso" que son las que suenan disonantes o fuera de tono y otras dan correctamente con el acorde, así la energía pura del sonido es expresada y la escencia del momento es capturada en la grabación, y no se escucha monotonía ni sufrimiento ni repetición o hastío por parte del compositor, es libertad total!
La cagaste mi hermano! paren todo y hay que regrabar!.
"It must be an Officer's Daughter", malditasea!, escuchen que disonancias tan cabronas cuando empieza la parte lenta del verso, tal vez una segunda menor, no se, un semitono que crea un nudo en la guitarra y una tensión impresionante!.... Al comienzo de la parte lenta al baterista se le va el tempo y se "cuatrapea" con su propio bombo, pero esto no es motivo para detener la grabación y decir "vamos a hacer otra toma por que la cagaste mi hermano", simplemente el baterista siguió y me puedo imaginar cómo el guitarrista y el bajista voltearon a ver al batería guiándolo por dónde retomar el ritmo para seguir con la parte lenta y efectivamente lo logra, no se frustra ni maldice por no ser como Dave Lombardo o Lars no se que de Metallica que son pegadísimos al metrónomo, alergicos a los errores y lloricones si su batería entró mal en alguna sección pidiendo regrabar una nueva sesión. Al carajo con ellos!.
La improvisación en este track es impresionante, la subida de nivel después de la parte lenta es impresionante, jamás había escuchado algo así en música de nuestra época. Es para volverse locos mis hermanos! y después el guía espiritual de la banda, o el director del cuarteto regresa al riff principal para terminar esta obra maestra y los jala a todos y obliga a cerrar con lo que empezaron. Así debe dirigirse una improvisación!
Este track en verdad es una balada sucia, para dedicarse a cualquier hermosa chica, lo poco que logro entender de ingles creo que es verdad! Si ustedes entienden mejor la letra corriganme este error o por favor confirmen que se trata deuna balada sucia. Ja!!!
Discapacitado del pentagrama musical.
Escuchen sus influencias de estos músicos, como ya sabemos los alemanes querían su propia música y no música de "negros", bien por ellos ya que crearon cosas impresionantes como esta pieza "rara" que tiene un estilo de Música Clásica Moderna, o música de academia "Contemporánea" (Aunque al principio Hairy Chapter fue una banda con tintes de Blues Rock). Ellos seguramente escuchaban todas las musicas nuevas que fueron tocadas despues de la guerra y aquí el resultado, música para ensamble acústico, y un track de fondo sampleado en cassette que deforma el coro de manera tenebrosa, escuchan? que buen experimento es este track! Para acabar en esto las trompetas que armonizan y le dan un toque maravilloso. Escuchan?
"He tratado de crear música sin mi guitarra en la mano, con solo los puntos y lineas en un papel pero no puedo, tal vez carezco de ese talento académico validado y apreciado por todo mundo..."
Esto mis hermanos lo he venido pensando desde que me atreví a crear mi propia música, improvisar para crear. He tratado de crear música sin mi guitarra en la mano, con solo los puntos y lineas en un papel pero no puedo, tal vez carezco de ese talento académico validado y apreciado por todo mundo pero que más da? si es como mejor me acomodo prefiero seguir el ejemplo de la improvisación y entrenamiento auditivo a través de álbumes y horas de recreación con otros músicos jammeando que estudiar un tomo completo de armonía moderna y contrapunto. Sin ofender!. Si tienen su punto de vista y difiere con el mio por favor en la sección de comentarios.
Como dato adicional no recuerdo donde leí que en una de las giras de Black Sabbath por alemania (en Hannover 1971 para ser más exactos) Iommi le regaló a Harry Titlbach un cabezal Laney de 100 watts de la época y esto ayudó bastante al sonido de Hairy Chapter. Maldito afortunado jajaja! y chequen la Gibson de Harry con pastillas P90! y su Epiphone Wilshire del 62:
Demos gracias a estos músicos, su trabajo es apreciado y si en algun momento veo su disco en vinil o original tengan la seguridad que lo compraré: Harry Titlbach a la guitarra, Harry Unte a la voz, Rudolf Oldenburg al bajo, Rudi Haubold y Werner Faus a la batería.
Aqui.
Si lo quieren en flac pregunten a san google.
domingo, 2 de octubre de 2016
Bingo, ahí va tu plaza de maestro!. por Frank Zappa.
Bingo, ahí va tu plaza de maestro!.
por Frank Zappa.
(Título original: Bingo! There Goes Your Tenure!)
Traducción: Miguel Krieg para Sonidos Primitivos blogspot.
Discurso liberado en la convención de 1984 de la Sociedad Universitaria de Compositores Americanos (A.S.U.C).
5 de Abril de 1984.
Habla Frank Zappa a un puñado de maestros de composición y a estudiantes de la misma escuela:
Soy ocasionalmente invitado a asistir a foros y simposios en materias musicales. Soy usualmente “agendado como un acto novedoso” o “acto excéntrico” para amenizar el rato de “la gente seria”.
Este evento no es la excepción. No pertenezco a su organización. No se nada acerca de ello y ni estoy interesado y aun así una petición me fue requerida para lo que pareciera ser “El discurso fundamental”.
Antes de ir en ello, déjenme avisarles que yo hablo sucio y que diré cosas que ustedes no disfrutarán o aceptarán. Estoy seguro de que no se sentirán amenazados desde que yo soy solo un mero bufón y ustedes son todos los “Compositores serios de América”.
Para cualquiera de ustedes que no sepa, yo también soy compositor. Escribo música “pasada de moda” que no requiere de una explicación. Fui autodidacta y me enseñe como hacerlo asistiendo a la biblioteca y escuchando grabaciones. Comencé cuando tenía 14 años y llevo haciéndolo hasta la actualidad por treinta años consecutivos. No me gustan las escuelas, no me gustan los maestros y no me gusta la mayoría de las cosas en que ustedes creen.
Y si ello no fuese tan malo yo toco la guitarra eléctrica. He hecho álbumes de rock and roll por los últimos 20 años, 35 de ellos los cuales poseo los derechos de las cintas maestras (master tapes) y publico mi propia música. Me gano la vida haciendo música. Soy un anacronismo en un traje de dinosaurio (un fuera de serie para la época).
No soy “uno de ustedes” y afortunadamente para la seguridad de nuestro planeta ustedes no son “uno como yo”. Por conveniencia, sin querer ofender su afiliación usaré la palabra “nosotros” cuando se discutan asuntos pertenecientes a compositores. Algunas de las referencias que lleven “nosotros” aplicarán generalmente; otras no. Pueden ordenarlas por ustedes mismos. Ahora el discurso:
La nueva música es relevante dentro de la sociedad industrial?
El aspecto más desconcertante de la “Relevante pregunta de la Industria Americana” es por qué la gente continúa componiendo música (y aún así pretenden enseñar a otros cómo hacerlo) cuando ellos ya conocen la respuesta: a nadie le importa una mierda.
"la música de compositores que están vivos no solo es irrelevante sino genuinamente desagradable"
Realmente vale la pena escribir una nueva pieza de música para una audiencia que no le importa?
Debe haber por lo menos un puñado de gente en esta sala que están totalmente convencidos de que escribir música es una cosa maravillosa de hacer, pero, si la democracia es el sistema bajo el cual intentamos existir, entonces los deseos de la mayoría debe recibir alguna consideración. El concenso general parece ser que la música de compositores que están vivos no solo es irrelevante sino genuinamente desagradable a una sociedad la cual solo se ocupa principalmente al consumo de bienes desechables.
Seguramente nosotros deberíamos de ser castigados por gastar el tiempo de todo el mundo con una forma de arte tan “no requerida” y “trivial” en el “esquema general de las cosas”.
Pregunta a tu banquero!… el te lo dirá. Somos la escoria. Somos la escoria del planeta. Somos gente mala, somos vagos inútiles. No importa cuantas plazas tengamos en la universidad para escabullirnos donde manufacturamos nuestro desconcertantes, insípidos paquetes de creaciones", sabemos - muy en el fondo - que no tenemos valor.
Algunos de nosotros fumamos en pipa, otros tienen chaquetas deportivas con parches de piel en los codos, otros tenemos ojos de científico loco, otros nos ponemos sin pena alguna larguísimas bufandas colgando de nuestro cuello y ondeando en el vacío junto con un suéter de cuello de tortuga con gorro opcional (refiriendose a como los compositores se ven).
Esas son solo algunas de las otras razones las cuales debemos ser castigados por estas blasfemias que hacemos. Por dios! Como hemos permitido ir tan lejos por tanto tiempo? Por que, si no fuera por las subvenciones de la fundación entregados por los comités ignorantes para efectos fiscales, habríamos estado expuestos hace mucho tiempo!.
Por suerte para nosotros esos “pequeños regalos corporativos” existen. Ellos hacen posible para nosotros olfatear el aroma del “prestigio” simulado, y nosotros presumimos nuestros conceptos inflados de “autoestima” en una posición fija.
Con nuestras actitudes fijamente en lugar, nosotros jugamos el juego del incesto, sabotage y “premio para el amigo” cada año en los Pulitzer. Lo hemos hecho por siempre, somos americanos y lo hacemos mejor que nadie más, nadie nos atrapará. Somos el verdadero espíritu de la música Americana: minúsculo, vil, vacíos, deshonestos, vengativos. Y qué? Nosotros tenemos una plaza de maestro!
Nosotros enseñaremos a los futuros compositores a ser como nosotros! Los estudiantes de la escuela de Leyes están haciendo lo mismo así que debe de estar bien.
Pretenderemos no darnos cuenta que nuestra generación actual de abogados (que eventualmente se harán jueces, políticos, presidentes y otros tipos de criminales de cuello blanco) fueron moldeados a imagen de sus profesores, produciendo una generación de parásitos que pueden existir solo complicando todo en la vida diaria al punto de que es imposible funcionar sin sus servicios.
La razón por la que un graduado en leyes hace más dinero que un graduado en composición es que fue hecho para engañar a la gente haciéndoles creer que hay una necesidad para que él exista.
No existe ninguna manera ni razón de que un compositor convenza a una verdadera persona americana de que hay una necesidad para ofrecerle sus servicios. Los mas viejos conocen esto, pero continúan enseñando su antigua tontería de todas maneras. No por que sea una necesidad histórica, no porque ellos creen en la “tontería antigua” como un ideal estético, no por que ellos son “impulsados”… simplemente por que puede ser un tipo de trabajo Ok. (si no te importa “usar el labial café” antes de esos encuentros con los directivos) (besar traseros).
Nosotros estamos en el mismo negocio como el largo numero de “gente importante muerta”, Por lo tanto debemos de considerar las implicaciones históricas de nuestra presente situación. Habían escuchado esto antes?
Una bonita historia
“Hace mucho tiempo, cuando toda la VERDADERA BUENA MÚSICA estaba siendo escrita, los compositores estaban VERDADERAMENTE INSPIRADOS, tenían un PROFUNDO SIGNIFICADO en sus trabajos y SUFRIERON INTENSOS MALESTARES EMOCIONALES mientras esos GRANDES TRABAJOS estaban NACIENDO.
Toda esa bazofia producida bajo esas restricciones es lo que ahora admiramos como "verdadera música clásica"
Si, la gente sigue creyendo en este tipo de cosas. En verdad, la situación es exactamente la misma como hoy en día, (con algunas pequeñas variaciones).
Entonces: El compositor tenía que escribir para esos gustos específicos (no importaba que tan mal) de: EL REY, EL DICTADOR o LA IGLESIA. Si fallaba en ello resultaba en desempleo, tortura o muerte, el publico no era consultado por ello. Ellos simplemente no estaban equipados para hacer opiniones de relativa importancia de gavota en gavota. Si EL REY no podía bailarla (gavotearla) entonces no tenía derecho de existir.
TODA ESA BAZOFIA PRODUCIDA BAJO ESAS RESTRICCIONES ES LO QUE AHORA ADMIRAMOS COMO “VERDADERA “MÚSICA CLÁSICA”. Olvida como suena… Olvida si la disfrutas o no… así fué hecha… y cuando la música es enseñada en las escuelas, estas son las normas del gusto de esos REYES, DICTADORES Y CLÉRIGOS que fueron perpetuadas en las clases de armonía y contrapunto.
Despues de que esas clases fueron impartidas, y el estudiante entra a “las materias avanzadas” es introducido a los esplendores de las complicaciones de los 12 tonos, dinámicas serializadas y programación computarizada de “composiciones automáticamente indeterminadas”.
Esas “herramientas” prepara a nuestro genio amiguito a hacer lo que todo el mundo hace en la “vida moderna”: esconderse bajo regulaciones ridículas (preferentemente como miembro del comité), para auto absolverse de culpa o responsabilidad de “acción individual” en este caso, el acto atroz de “creación musical”. Aceptando esas idioteces, el joven compositor recibe alabanza, certificación de gloria y garantía monetaria. Todas las cosas por las que sus maestros matarían.
Todos los que no elijan seguir este método aprobado de iluminación es tachado como un tonto o un pervertido.
Debbie es una buena muchachita.
Hoy en día, el compositor tiene que escribir para gustos específicos (no importa que sea malo) de EL REY (ahora identificado como la película o la serie de TV, El director de la compañía de teatro o ópera, la señora con el cabello de espanto del comité especial, o su sobrina, Debbie.
Su papá pertenece a una unión corrupta de algun tipo y es… como lo sospechamos, un flojo incompetente, bien pagado e ignorante hijo de puta
Algunos de ustedes no conocen a Debbie desde que no tienen que lidiar con estaciones de radio o compañias disqueras del mismo modo que la gente del “otro mundo” lo hace, pero tienen que saber acerca de ella, solo en caso de que decidan pasarse al “otro mundo” después.
Debbie tiene 13 años de edad. Sus padres les gusta pensar de ellos mismos como “adelantados, gente americana blanca temerosos de dios”. Su papá pertenece a una unión corrupta de algun tipo y es… como lo sospechamos, un flojo incompetente, bien pagado e ignorante hijo de puta. Su mamá es una malajustada sexualmente musaraña mercenaria la cual vive solo para gastar el salario de su marido para comprar ropa ridícula diseñada para hacerla ver más joven.
DEBBIE es increíblemente estúpida. Ella fue crecida para respetar los valores y actitudes que sus padres mantienen como sagrados. Aveces ella sueña que es besada por un Salvavidas.
Cuando la gente de la OFICINA SECRETA DONDE ELLOS MANEJAN TODO investigan acerca de DEBBIE, ellos están encantados. Ella es perfecta, ella no tiene esperanza, ella es SU TIPO DE NIÑA. Ella es inmediatamente elegida para el rol de “ARQUETIPO IMAGINARIO DE CONSUMIDOR DE MÚSICA POP Y ARBITRO INDISCUTIBLE DEL GUSTO MUSICAL DE LA NACIÓN ENTERA”. Desde ese momento, todo lo musical en este país debe ser modificado conforme lo que ellos calculan ser LOS DESEOS Y NECESIDADES DE ELLA.
El gusto de DEBBIE determinará el tamaño, forma y color de toda la información musical en los Estados Unidos durante los próximos años finales del siglo 20. Eventualmente ella crece justamente para ser como su madre y casarse con un chico que sea como su padre. Ella fué de alguna manera manejada para reproducirse. La gente de la OFICINA SECRETA tiene el ojo en su hija en este momento.
Como COMPOSITOR AMERICANO DE MUSICA SERIA, debería verdaderamente de importarte DEBBIE? Por que DEBBIE solo prefiere canciones cortas con letras de situaciones acerca de chico-chica cantadas por personas de sexo indeterminado, usando ropa de marca y porque aquí hay MUCHO DINERO INVOLUCRADO, la mayoría de compañias discográficas las cuales hace unos años ocasionalmente arriesgaron una inversión en grabar nuevos trabajos, tienen que cerrar su “catálogo de música clásica” y parar de grabar rarezas de su catálogo de “música nueva”. Los pequeños sellos que lancen estos “riesgos” tienen una distribución miserable. Algunos tienen procedimientos deplorables. Ellos deben lanzar tu grabación, pero no serás pagado por ello.
El problema con los compositores que están vivos es: ELLOS DEBEN DE COMER. En su mayoría lo que ellos comen es color café y grumoso. No hay duda de que esta dieta tiene un efecto en sus trabajos.
Como compositores en edad temprana (recien egresados) tienen que acomodarse a los deseos del REY, DICTADOR E IGLESIA, los compositores de hoy deben escribir para el entretenimiento y efidificación de sus siniestros descendientes de los mencionados anteriormente: La persona que descifra que tipo de rebaja de impuestos obtienes de las DONACIONES A LAS ARTES. El PETROLEO, TABACO, la COMPAÑIA DE QUIMICOS que necesita perder algunos millones al final del año fiscal, los cinco tipos que programan todas las estaciones de radio del país en E.U., los FANATICOS FUNDAMENTALISTAS que demandan contenido blando en las letras y total olvido de la realidad biológica y los de la M.B.A que aconsejan a todos en como hacer mas dinero alabando a la ignorancia y docilidad suprimiento cualquier cosa inteligente y creativa/inventiva.
Esta condición perenne es una extensión natural de ello mismo y una justa recompensa por nuestra estricta adhesión a las reglas y regulaciones adoptadas por las ya mencionadas “famosas gentes muertas”.
Decoración del tiempo
Mientras los compositores continúen inclinándose para los nuevos REYES, DICTADORES O IGLESIA (y MUSICOS), la condición persistirá, eventualmente resultando de la destrucción de lo que yo llamaría la más “físicamente inspiradora” de todas las artes.
Todos los buenos compositores están muertos (pregunta a cualquier músico de cuerdas)
FISICAMENTE INSPIRADORA? Los bailarínes, pintores y escultores se retorcerán en desacuerdo? La paga es malísima, chicos y chicas, así que no se pongan celosos por que nosotros tenemos que tener “transacciones íntimas” con la fuerza más inexorable de la naturaleza. Estamos hablando de TIEMPO amigos. El trabajo de un compositor escencialmente implica la decoración de fragmentos de TIEMPO.
Sin TIEMPO nada podría “pasar”. Sin música con que decorarlo, el TIEMPO es un pedazo de producción aburrida, o una colección de fechas las cuales hay que pagar.
A pesar de el hecho que nosotros trabajamos con una sustancia misteriosa aun no aprobada por la FDA, en un ambiente industrial inseguro, somos apenas reconocidos por la union la cual pretende cuidar de los intereses de los infortunados salvajes que deben pagar las cosas que escribimos. En “terminos de union” solo existimos para proveer de trabajo a los “copistas” (gente que hacia copias de partituras).
Por que somos tratados de esta manera por la unión de músicos? Bueno… nosotros no somos músicos… somos meramente compositores. Todos los buenos compositores están muertos (pregunta a cualquier músico de cuerdas). Si no estamos MUERTOS no somos BUENOS. Si estamos muertos nosotros no requerimos de TRABAJO DE REPRESENTACIÓN. Si estamos vivos no somos de IMPORTANCIA para un músico de cuerdas.
Violinistas (músicos de cuerda en general) y sus necesidades especiales y preferencias juegan un rol importante determinando la política de unión. Si por ellos fuera, los instrumentos de cuerda podrían ser usados solo para presentar la música de la GENTE MUERTA. Si por mi fuera, los instrumentos por si mismos podrían ser tocados por gente muerta, y solo gente muerta podría ser permitida de escuchar los resultados.
Quiero ser conserje del Carnegie Hall!
Los músicos clamarán que esto es injusto, desde que hacen menos dinero que sus contrapartes: los acomodadores de sillas.
Hay otra razón por la popularidad de “la música de la gente muerta”. Los conductores la prefieren. Por que? por que necesitan más que nada VERSE BIEN
Sabían ustedes que el crew entero de acomodadores de sillas en el salón Carnegie (que no hace más que acomodar sillas para un cuarteto de cuerdas) esta asegurado y ridículamente asalariado semanalmente (más los bonos ridículos si una grabación o film toma lugar ahi) y son encargados a recibir pagos residuales del video o la película del performance si es vendido a la TV Europea por cada presentación en cada país que se presente?.
Los compositores son intitulados a recibir algunas regalías por el uso de su música. Los muertos no la reciben LA RAZÓN REAL por la que su música es elegida para tocarse en vivo. Aveces por accidente el trabajo de un compositor vivo se cuela ahí. Has intentado alguna vez recoger alguna de esas regalías?
Hay otra razón por la popularidad de “la música de la gente muerta”. Los conductores la prefieren. Por que? por que necesitan más que nada VERSE BIEN. Presentando esas piezas por la que los miembros de la orquesta han trazado sus caminos desde el conservatorio, los requerimientos para los ensayos son minimizados, los instrumentistas van en un “modo de rockola” y son ejecutados con facilidad y el conductor no comprometido a una partitura con cero problemas dentro, se retuerce en modalidad de éxtasis para el beneficio de las señoras comité que desearían que no tuviera puestos los pantalones.
Yo quiero salir en la radio!
Ocasionalmente, la gente discute sobre “el abismo estético” entre el mundo de la “música popular” y el mundo de la “música seria”. Argumentos invariables son puestos para evidenciar que tan asquerosa “la música popular” es, y que maravillosa “la música seria” es. Nadie nunca discute el otro lado del problema por que a la gente que le gusta la “música popular” no saben aún que nada más existe, y aún así si lo hacen, no les interesa una mierda.
El problema es que con este tipo de discusiones es que presupone un juego de reglas aburridas que son de alguna manera más fascinantes que otro juego de reglas aburridas.
Con el fin de que una pieza de música sea considerada “clásica” debe ser construida de acuerdo a una guía específica de “arquitectura”… tantos compases de esto, tantos de aquello, modular al modo relativo menor, resolver por acá. Todos los factores importantes discutibles en terminos absolutos durante la intermisión de una copa de plástico con vino blanco barato en tu otra mano.
Respecto a la basura más baja de pieza musical para ser tocada en el radio, también debe adherirse a un tipo de molde de acero de regulaciones de estructura y estilo, a su manera MÁS RIGUROSA Y ENCERRADA QUE LAS CELEBRADAS EN LA VIDA DIARIA DE SU UNIVERSIDAD… y ellos tienen que contar sus miserables historias en tres minutos o menos. Triste y falso como lo son, los premios GRAMMY se ven perfectamente apropiados para ser la celebración de este tipo de “artesanías” así como los tristes y falsos PULITZER y FROMMS implorados por muchos de los presentes en esta organización.
Hey amigo!, Cuando fue la ultima vez que violaste una norma? No puedes arriesgar eh? Demasiado como para atarse a la antigua Alma matter? No calificado para “un despliegue de limpieza”? Cuidado! Ahí vienen otravez! Es el mismo puñado de de tipos que viven en la misma vieja broma. Eres tu y dos billones de tus amigos más cercanos, llenando de mierda hasta tu barbilla, coreando “No hagas una ola”, viviendo en terror por una “mala revisión” de alguno de esos sordos de tono egomaniacos-elitistas que usan la premier del performance de cada nuevo trabajo como excusa para afilar sus “capacidades de palabra” asistiendo a presentaciones por musicos y conductores que prefieren el sonido de muerto sobre CUALQUIER COSA hecha recientemente ( haciendolos complices de los críticos de música, pero de alguna manera más glamorosos), “jodiendo” con sus pedigrees especiales, seguros en su conocimiento de que “nadie critica ya”.
GOLPEENLOS! damas y caballeros! El día de la expiación está cerca!. Castiguense ustedes antes que ellos lo hagan por ustedes! Si lo hacen como GRUPO, la TV podría valer algo.
Empiecen planeando ahora mismo, así todo estará listo para la siguiente convención. POR SUPUESTO QUE USTEDES PUEDEN! Cambien el nombre de su organización de A.S.U.C por WE SUCK, roben cianuro del laboratorio de química, ponganlo en el tazón del ponche en la recepción con un poco de ese vino blanco que tanto le gusta a la gente artística y muerdan la GRANDE.
Si el nivel actual de ignorancia y analfabetismo persiste, dentro de doscientos o trescientos años una nostalgia por la mercadotecnia de este tiempo vendrá, y adivinen que música estarán tocando! Seguirán en el mismo error, y por supuesto no obtendrán ningún dinero por haberlo escrito, pero… que demonios? Por lo menos no murieron de sífilis en un putero con un estupor de opio con una peluca china puesta.
En algún punto, alguno de ustedes recordarán, el gobierno consideró cerrar la oficina de patentes por que ellos estaban convencidos de que todo lo “nuevo” ya había sido inventado. Casi por accidente, esta propuesta fué pospuesta.
La oficina de patente de los nuevos compositores ha sido cerrada y nunca abrirá más. Esta todo terminado amigos!. Sean inteligentes y saquen una licencia de bienes raíces.
Lo último que pueden hacer es decir a sus estudiantes: “NO LO HAGAS, DETEN ESTA LOCURA! NO ESCRIBAS MÚSICA! Si no lo hacen… el pequeño hijo de puta crecerá con la habilidad de besar más traseros que ustedes. Usen una bufanda más larga y dramática, escriban música más asquerosa e insipida y BINGO!, ahí tienes tu plaza de maestro.
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fuente original: http://otg.brainiac.com/fzfull.htm
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